Bienvenidos a De Gusanos y Lombrices. No nos fiamos de las apariencias.

miércoles, 29 de febrero de 2012

Hijosdeputa Peligrosos: El Obispo Hudal y la impunidad de los Crímenes de los Totalitarismos.

Los nazis eran unos hijosdeputa. Esto lo sabemos todos los hombres y mujeres de buena voluntad. Y, lamentablemente, los nazis también eran consecuentes con sus "ideales" que, en cuestiones de política racial, se podrían resumir en que ellos estaban convencidos de que los judíos, los comunistas, los gitanos, los homosexuales y los eslavos eran seres inferiores cuyas vidas no tenían el mismo valor que las de los arios. Un concepto perverso, repugnante y erróneo. Con esa base ideológica y el apoyo de la mayoría de sus militantes y de la población alemana, los mandatarios nazis actuaron en consecuencia y exterminaron y esclavizaron a millones de judíos, comunistas, gitanos, homosexuales y eslavos. Lo dicho: los nazis eran unos hijosdelagranputa pero sus actos eran consecuentes con lo que pensaban sus enfermos cerebros.

Luego están los tipos de la calaña de Alois Hudal, de profesión: Obispo católico, un oficio que, teóricamente, sirve para hacer el bien a los demás.

Dice la wikipedia que el Obispo Hudal era hijo de un zapatero pero en verdad os digo que, en realidad, lo que era es un hijodeputa peligroso (bad motherfucker) que soltó perlas de este calibre:

"La guerra de los Aliados contra Alemania no fue una Cruzada, sino una rivalidad entre complejos económicos en la cual habían luchado para conseguir la victoria. Este negocio usó lemas como democracia, raza, libertad religiosa y cristiandad como anzuelo para las masas. Por todas estas razones después de 1945 me sentía obligado a dedicar todo mi trabajo de caridad principalmente a antiguos Nacionalsocialistas y Fascistas, especialmente a los así llamados "Criminales de Guerra". Agradezco a Dios que me permitiera visitar y confortar a muchas víctimas encarceladas o detenidas en campos de concentración, ayudándolas a escapar con papeles falsos."


En contra de lo que la mayoría de la gente piensa, el revolucionaro mensaje de Jesucristo no es "ama a tu prójimo" donde prójimo = tus seres queridos (es que hubiera sido una obviedad boba), sino "ama a tu enemigo", que es una de las estupideces más gordas que se han soltado en los últimos 2000 años de pensamiento mediterráneo pero que, reconozcámoslo, se encuentra ideológicamente en las antípodas del pensamiento nacionalsocialista.

De todas las víctimas que padecieron la maldad y la injusticia que campó a sus anchas en Europa durante la WWII, el Obispo Hudal decidió ayudar a las "víctimas" de la desnazificación alemana: a los nazis. Y yo me pregunto, ¿a quién ayudaba Alois Hudal?, ¿a su enemigo?, ¿a su prójimo?. Y yo os respondo: a sus semejantes (los hijosdeputa).

Finalizada la WWII
los Aliados comenzaron a perseguir a todos los responsables nazis que habían conseguido escabullirse de las patrullas militares. El propósito era darles caza y hacerles responder ante la Justicia por todas las barbaridades que habían cometido contra hombres, mujeres y niños, o sea, contra la Humanidad. Europa ya no era un lugar seguro para esta panda de locos asesinos que se vieron obligados a buscar refugio en la impunidad que les ofrecían las dictaduras bananeras de América del Sur y de los países árabes de Oriente Próximo.

Algunos hijosdeputa nazis se libraron del linchamiento público que se merecían porque los norteamericanos y soviéticos les encontaron útiles para tal o cual tarea científica. El caso más famoso fue el del ingeniero alemán Wernher Von Braun, un nazi hijodeputa pero útil. Al menos sabía algo sobre fabricar cohetes. Que se lo pregunten a los 50.000 esclavos que trabajaron para fabricar los Cohetes V durante la WWII o a los 7.000 británicos que murieron "gracias" al genio destructivo-creador del alemán. Yo hubiera preferido que los aliados hubieran atado a Von Braun a la punta de uno de sus cohetes y lo hubieran lanzado sobre el Polo Norte aunque a la Humanidad le hubiera costado 10 añitos más llegar a la Luna. Total, para lo que encontramos allí. Pero bueno, estas injusticias fueron daños colaterales de la doble moral que los vencedores tuvieron que usar, todavía con más desvergüenza, al comienzo de la Guerra Fría. Nos da asco, desde luego, pero podemos llegar a entender el pragmatismo que se esconde tras estas decisiones político-estratégicas tan repugnantes.


Pero Alois Hudal.., joder con Hudal... ¡¡¡Que era Obispo!!!. Se supone que su Reino no era de este Mundo.

Alois Hudal no se limitó a reconfortar espiritualmente a los fugitivos nazis
, a darles la extrema unción o a cualquier otra de las supersticiones que practican y predican los católicos. Llegar hasta ese punto hubiera sido coherente con la "filosofía" cristina. Pero no, qué va, eso no era suficiente para un alma como la suya, tan entregada a los demás. Hudal participó activamente en la creación de rutas de escape seguras (las famosas "Ratlines" o "Líneas de Ratas") para facilitar la huída de los genocidas hacia los mencionados paraísos sudamericanos (Argentina, Paraguay, Chile, Brasil...) usando su prestigio obispal para impresionar a las autoridades de la Cruz Roja (al estilo Urdangarín) y conseguir para los asesinos visados y pasaportes expedidos por esta organización humanitaria. Qué ironía. Y es que a ver quién era el valiente que iba a poner en duda el aval de todo un señor obispo católico. Un obispo católico que demostró, una vez más, tener muy poca fe en su propia fe pues se esforzó más en salvar los cuerpos que las almas de sus amigos nacionalsocialistas.

¿A quién "salvó" el Obispo Hudal?. A ver qué les parecen estos cuatro ejemplos:

* Franz Stangl. Comandante del Campo de Exterminio de Treblinka. 900.000 asesinatos.


Hudal le ayudó a huír a Siria. Felizmente Stangl fue, años más tarde, arrestado en Brasil y condenado a muerte en 1970. La palmó en la cárcel de un ataque al corazón. Happy End.

* Eduard Roschmann, "El Carnicero del Gueto de Riga". 50.000 asesinatos. Roschmann murió, supuestamente, en Paraguay en 1977. El cazanazis (qué gran oficio) Simon Wiesenthal nunca lo creyó.

* Joseph Mengele, "El Angel de la Muerte de Austchwitz". No necesita presentación. Murió en 1979 en Brasil. Se ahogó en el Atlántico mientras nadaba. Tenía 68 años.

* Adolf Eichmann, responsable de "La Solución Final", o sea, el plan de exterminio de los judíos europeos. Huyó a Argentina donde permaneció hasta 1960, año en que el fue abducido por el Mossad israelí que lo llevó a Israel para ser juzgado. Eichmann fue ejecutado y colgado hasta morir en 1962 en la que fue la culminación de uno de los actos de justicia más publicitados del siglo XX. Happy End.

Por supuesto los Católicos siguen diciendo hoy día que el Vaticano no sabía nada de las actividades de Hudal y que su caso es algo excepcional. El buen obispo incluso sigue dando nombre a una congregación que tiene blog. En serio. Es éste. Simon Wiesenthal (que llamaba a Hudal el "Obispo Negro") no estaba tan seguro del supuesto desconocimiento papal e investigaciones más recientes parecen concluír que algo olía a podrido en el Vaticano. En cualquier caso, la triste noticia es que Alois Hudal murió en su cama en la ciudad de Roma a los 78 años de edad.

¿A qué venía todo esto que he contado?. Ah, sí. Que resulta que Garzón ha sido absuelto por el Tribunal Supremo del delito de prevaricación del que le acusaban por esa manía suya que tiene de investigar lo de los muertos de las fosas comunes de nuestras cunetas.
Si Simon Wiesenthal levantara la cabeza...

Pavel Haas también era hijo de un zapatero pero, además, era judío y músico. En 1941 fue deportado al campo de concentración de Theresienstadt (norte de Praga). Allí compuso hasta 8 obras incluyendo una ópera: Bundibár. También creó la música que vamos a escuchar ahora: un estupendo Estudio para Cuerdas de 1943. Un año después falleció en Auschwitz, el mismo campo de concentración en el que murieron Santa Teresa Benedictina de la Cruz y San Maximiliano Kolbe...

lunes, 27 de febrero de 2012

Un ateo (yo) en defensa de El Árbol de la Vida. Lo que nos faltaba por ver...

Tras los ataques de los comentarios de David y MrMierdas (cuasi en comandita) contra la controvertida y hermosa película El Árbol de la Vida (2011, Terrence Malick), me veo en la obligación de responder a estos dos amiguetes y, de paso, defender los valores que yo sí encuentro en el último trabajo de este realizador, un tipo que parece ser más rarito que un perro verde. Pero esa es otra historia.

Lo primero que hay que dejar claro es una certeza que creo que es más que obvia y sobre la que todos los que hemos visto la película estaremos de acuerdo: El Árbol de la Vida es una película que está narrada de forma que sus imágenes admiten numerosas interpretaciones. Muchas más que las que admiten la mayoría de las creaciones artísticas.

Pero solamente dos de ellas podrían considerarse como exactas:

1.- La interpretación que nos diera Dios, que es un ser infalible.

Pero como Dios no existe, la única que nos queda es...

2.- La interpretación de Terrence Malick, que es el creador de la obra y el que ha decidido narrarla de una forma no explícita. Pero aunque Malick es un señor que sí existe (eso dicen) dudo mucho que alguna vez nos explique qué significan cada una de las escenas de El Árbol de la Vida porque, como ya he dicho, es un tipo más raro que un perro verde y, además, creo que su intención era dejar esa posibilidad abierta a la mente de cada espectador que es exactamente el mismo principio que aplicó Stanley Kubrick para su 2001, Una Odisea del Espacio. Esta peculiaridad es la que hace más similares, en el fondo, a estas dos grandes películas (lo de los planetas es una similitud mucho más superficial).

Hay otro asunto que también creo que es importante aclarar: no es lo mismo Religión que Espiritualidad, aunque se parezcan. Por eso nunca podrá ser lo mismo El Árbol de la Vida (se interprete como se interprete) que Ordet (1955, C. T. Dreyer) porque en Ordet ***SPOILER*** ¡¡¡sale un señor cristiano que resucita a una muerta!!!***FIN DEL SPOILER*** y eso no es interpretable, eso es propaganda Reformista. Y es por ello que odio Ordet, como ya dije aquí.

Así y todo, yo, que no soy sospechoso de ser creyente, ni siquiera comparto no ya las interpretaciones religiosas sino tampoco las místico-espirituales que muchos hacen de El Árbol de la Vida. ¿Y por qué no las comparto?. Pues precisamente porque no soy religioso ni tengo tendencias hacia lo espiritual o lo místico. Yo miro la película con el color de los cristales de mis gafas. ¿Estoy desvirtuando el mensaje de Malick lo mismo que el fotón desplaza la posición del electrón heisenbergiano?. Y yo que sé?!?!?. Pregúntele a Terrence Malick; él es el único que puede responder a esta cuestión.

Resumiendo: El Arbol de la Vida posee muchos momentos abandonados por el autor a la interpretación personal de cada espectador. Eso puede molestar a todo aquel al que le guste que le den todo bien mascado (ojo, no es un reproche porque me parece una exigencia del público hacia la obra del artista tan respetable como cualquier otra). No hay una interpretación correcta del mensaje de El Árbol de la Vida salvo que venga Malick y nos diga "sois unos obtusos, lo que yo he querido decir es exactamente ESTO" pero, como ya he dicho, no creo que esto vaya a suceder.

MrLombreeze observa cómo su querida mami quiere más a MrMierdas.

Hoy no voy a ser tan prepotente como para decirle a nadie que no ha entendido la película de Malick (hoy no, otro día igual sí), pero lo que sí voy a decir es lo que yo entendí y, para no hacer un post larguísimo , me voy a centrar, muy brevemente, en los dos o tres puntos más polémicos.

El Universo y la Naturaleza son ambientes hostiles, violentos y peligrosos para el ser humano. Esto es así. Ya nos lo dijo Darwin pero todavía antes nos lo había adelantado la Biblia cuando nos contó aquello de la expulsión del Jardín del Edén (la "chufa" divina). Y una de las obligaciones de los padres es advertir de estos peligros a sus hijos y, si es posible, enseñarles también a lidiar con ello.
El Árbol de la Vida comienza con esta cita de la Biblia: "¿Dónde estabas tú cuando Yo fundaba la Tierra?". ¿Ven ustedes religión en esta cita bíblica inicial?, pues yo no. Yo veo la respuesta de un padre defendiendo sus actos de los reproches de un hijo cabreado que no le entiende del todo. "¿Por que sufro?", le preguntó Job a Dios, y Dios le respondió con la cita del inicio de la pelicula al estilo "¿pero quién eres tú para pedirme cuentas a mí que te he dado la vida y todo lo que tienes?", lo mismo que muchas veces nos hemos podido preguntar "¿para qué cojones me trajeron mis padres a este mundo si ni siquiera pueden comprarme una Playstation?". Mi padre podría responderme "¿Dónde estabas tú cuando pedí el primer préstamo para el traspaso del primer negocio que tuve?". Al papá de la película (Brad Pitt) se le ha acusado de tirano pero les confieso que es algo que yo no veo por ninguna parte. De hecho, creo que es uno de los padres más ejemplares de la Historia del Cine. Y creo que queda demostrado que el personaje de Sean Penn (el adulto del niño y alter ego de Terrence Malick) también piensa lo mismo.

¿Dónde "estábamos nosotros" cuando se "fundó" el Universo y la Tierra?. En ello están los físicos y astrónomos de nuestros días. Pero ya no se lo preguntan al Cielo, sino a la Tierra o, mejor dicho, a lo que hay bajo tierra: el acelerador de partículas del CERN.

¿Por qué eligió Malick una cita bíblica y no una del Corán o de algún otro libro no sagrado?. Ni idea, puede que le movieran los mismos motivos que a Quentin Tarantino cuando puso versículos bíblicos en boca de Jules. O quizás es que Malick emplea las referencias culturales del Texas de su infancia que, casi seguro, son influencias cristianas (el personaje de la madre así parece confirmarlo). En cualquier caso, esta elección no me predispuso contra la película. Es más, la encuentro muy lírica (y yo os pregunto "¿dónde estabáis vosotros cuando abrimos este blog?").

¿Para qué sirven los dinosaurios de la película?, ¿a santo de qué los mete Malick?. ¡Y yo qué sé!. Pero aquí tienen lo que significa para mí (tras el segundo visionado, en el primero no me dio tiempo a pensar nada sobre este punto): puede simbolizar el nacimiento de la conciencia, de la moral. ¿Es por ello que el dinosaurio depredador perdona al otro, al que está herido?. Pudiera ser. Y también pudiera ser que Malick no eligiera primates para no aparentar tantas semejanzas con la obra kubrickiana. Bonus track: mostrando dinosaurios, Malick les da un guantazo a los creacionistas, no se vayan a pensar que es un fanático de esos que creen en la literalidad de la Biblia. Recuerden que en Texas y en los USA hay muchísimos tarados de esos (si quieren reírse de ellos pueden visitar una esperpéntica web que se llama creacionismo.net).

Sin duda la escena que, a priori, puede provocar más aversión entre nosotros, los ateos materialistas, es la escena final. ¿Qué es lo que estamos viendo?, ¿El Paraíso?, ¿la imaginación de Sean Penn?, ¿El final de Perdidos?... Cada uno la interpretará según sus propias convicciones y creencias que es exactamente lo mismo que pasaba en 2001 (algunos creyeron ver a Dios en el monolito y los extraterrestres). Y es que siempre habrá gente que querrá creer. Yo no soy uno de ellos pero compruebo que muchos de ustedes sí.., ¿es que son ustedes de los que ven Señales?.

Yo no vi ningún Creador al comienzo de la película sino que vi el Origen del Universo, ese que Hawking dice que se creó a sí mismo de la nada porque existe una cosa que se llama Ley de la Gravedad. Tampoco vi ningún Paraíso aka Reino de los Cielos aka Vida después de la Muerte en el final de la película sino que vi el anhelo de un hombre por reencontrarse con todos los seres queridos que ya no están a nuestro lado (los muertos y los vivos que ahora pertenecen a nuestro pasado, que es como la muerte de una parte de nosotros), el deseo de volver a abrazarlos, a tocarlos, a olerlos, a verlos y de decirles cuánto sentimos no haberles dicho a tiempo lo mucho que los amábamos o cuánto deseamos que sepan que les perdonamos por todas esas ofensas que un día creímos haber recibido de ellos. Esto es lo que yo creo que me dijo Malick. Y ese anhelo suyo lo comparto. Por eso me parece una película tan emocionante. A mí me encajó todo a la primera.

Repito lo que dije en su día: El Arbol de la Vida es una película que no es ni magistral ni incomprensible. Es hermosísima.
Puede que para el Universo la vida de un ser humano signifique menos que nada pero, para mí, la vida de mi hermano significa más que un millón de universos juntos. Si yo supiera hacer cine y quisiera expresar esta idea en una pantalla hubiera rodado una película como El Árbol de la Vida.

domingo, 26 de febrero de 2012

Estimado Alberto Iglesias, los gusanos te desamos buena suerte y ojalá que ganes el Oscar.


Pues sí. Y eso que no nos gusta mucho la banda sonora que has creado para la película El Topo. Pero da igual porque a la tercera tiene que ir la vencida. Nos va a dar mucho gustirrinín ver recoger un Premio de la Academia a Alberto Iglesias, quien es, para mí, un auténtico orgullo patrio. Un compositor donostiarra que ha creado maravillas musicales como esta:

jueves, 23 de febrero de 2012

Oscars 2012. A Fucking Bunch of Undistinguished Movies. El año de la NOSTALGIA, las novelas y los niños.

Las películas que optan este año a conseguir el Oscar a la Mejor Película son tan mediocres como lo han venido siendo la mayoría de las candidatas de las últimas ediciones. Hasta aquí, sin novedad en el frente. Eso sí, la gala del próximo domingo llega con una buena nueva importantísima. Evidentemente no me refiero al presentador del show que va a ser, one more time, Billy Crystal, un actor que a mí nunca me ha hecho gracia y que ahora, además, tiene una desagradable cara de abuela. La novedad de este año a la que me refiero está en que la tradicional cuota de cine europeo, que suelen adjudicarle al cine shakesperiano-británico, ha sido ocupada, esta vez, por una película gabacha. Una gala gala (¿lo pillan?).

Yo no me voy a quedar sin dormir para ver la ceremonia porque a la mañana siguiente hay que madrugar y no soy tan fanático como para arriesgarme a darme un hostión en la autopista camino del curro. En estos cuatro años que llevamos de blog creo que he dado muestras de que no me interesan especialmente ni los Festivales ni los Premios de Cine (a mí me gusta Eurovision), así que escribo poco sobre ellos salvo que esté muy aburrido. Pues bien, habéis tenido mala suerte: estoy bastante aburrido esta mañana. Así que, con todos ustedes, una breve y personal reseña de todas las candidatas al Oscar 2012 a la Mejor Película.

La edición de este año tiene un leit motiv clarísimo: la Nostalgia. Ah, y ¡los niños!. Este año viene cargadito de cuentos para niños. Seis de las nueve películas nominadas tienen guiones basados en novelas. Parece que lo de la crisis de guionistas en Hollywood va camino de convertirse en dolencia crónica.

Nominees are:

*Los Descendientes. Es una película en la que sale George Clooney. Y poco más se puede decir de ella. El personaje de George Clooney siente nostalgia por las hazañas de sus antepasados. La música hawaina que la adorna es maravillosa. Salen niños. Está basada en una novela.

*Moneyball.
Es una película en la que sale un amigo de George Clooney: Brad Pitt. Está muy bien hecha, es casi impecable por fuera, pero por dentro cuenta una historia que me importa un comino. El personaje de Brad Pitt siente nostalgia de su época de jugador de béisbol y decide confíar irracionalemente en las teorías deportivas de un friki con sobrepeso para desarrollar una nueva estrategia que cambiará la forma de entender la selección y entrenamiento de los jugadores profesionales de la liga profesional de béisbol americana. Guau. ¡Apasionante! (es ironía). Sale una niña, la hija del personaje de Pitt. Está basada en una novela.

*La Invención de Hugo. Es una película de Martin Scorsese hecha con muchos ordenadores donde salen niños de ojos azules. Es como un reloj suizo. Cada uno de los fotogramas de la película funciona con una precisión exquisita, con una factura de artesano (olé tus huevos Dante Ferretti). Pero ya digo que es como un reloj: juntas todos las piezas de su mecanismo, le das cuerda, todo funciona perfectamente, miras las manecillas de la esfera y el tiempo pasa.., despacio.., despacio.., despacio.., salen niños de ojos azules y abuelos de barba cana.., hay una llave misteriosa.., el tiempo pasa.., ¿o no?, porque se me está haciendo larguísima... Sale Georges Melies que siente una obsesiva nostalgia de su glorioso pasado de pionero del cine. Es un cuento bastante aburrido que a los niños no les va a gustar. Ya lo he dicho pero lo repito: salen niños. Está basada en una novela.

*El Árbol de la Vida
. Es un poema de métrica libre y rima asonante realizado por Terrence Malick. En mi opinión es la mejor de las candidatas. Y con diferencia. Opiné sobre ella aquí. Terrence Malick siente nostalgia de su infancia. Salen niños. Guión original de Terrence Malick.

*The Artist. Es una película nostálgica, francesa, muda y en blanco y negro. Es un homenaje muy bienintencionado al Hollywood más glamuroso, al del comienzo de los grandes estudios (los que inventaron el cine de entretenimiento). Es graciosa, cortita, entretenida, entrañable, divertida y sus protagonistas están en estado de gracia. Es un notable divertimento cinematográfico. No me cabrearé si finalmente le dan el Oscar. No salen niños pero sale un perrito que hace la misma función en la historia. Guón original de su director Michel Hazanavicius.

*War Horse.
Es boba y torpe. Da vergüenza ajena. Spielberg siente nostalgia de Ford y del cine épico del Hollywood clásico pero de la nostalgia de Spielberg no sale un homenaje (como le salió al director de The Artist) sino que lo que se perpetra es una serie de escenas y situaciones enlazadas por un caballo algo ridículo. Opiné de ella aquí. Sale un niño que busca a su caballo. Está basada en una novela.

*Midnight in Paris. Es una de las películas más flojas de Woody Allen. El protagonista siente nostalgia de otra época: el esplendoroso París de los locos y geniales años 20. Qué años tan maravillosos, ¿verdad?. Qué ebullición de genialidad artística, ¿verdad?. Eso nos pensamos ahora. Luego nos enteramos de que los protagonistas de aquellos maravillos años 20 también sienten nostalgia pero del París de Toulouse Lautrec... No salen niños en Midnight in Paris, pero su adulto protagonista sí se comporta como un niño malcríado a.k.a. "bohemio". También es un cuento, pero con guión original de Woody Allen.

*Tan Fuerte, Tan Cerca. Oskar, el protagonista de la pelicula, es un niño de 10 años. Siente nostalgia de los momentos que compartió con su padre antes de que el pobre hombre falleciera vícitima de los atentados del 11S. Es un niño-viejo muy pedante que filosofa sobre la vida y la muerte. La película es un cuento (como Hugo) que parece una especie de Código Da Vinci para niños. Es muy aburrida, muy ñoña y muy emocionalmente tramposa. Hay una llave misteriosa (también como en Hugo). Está basada en una novela de Jonathan Safran Foer. Me gustó más otra película también basada en una obra de Foer: Todo Está Iluminado.

*Criadas y Señoras. Es un drama con pinceladas de comedia en el que no salen niños. No es un drama nostálgico sino, más bien, todo lo contrario: nadie añora los tiempos de la segregación racial sureña (salvo los tarados del KKK). Es una fábula (un cuento con moraleja) bienintencionada con un toque feminista. Muestra un poquito de Historia del Racismo en USA que no nos importa un comino porque el tema de la intolerancia puede asumirse como universal. No es una gran película pero se puede ver con agrado pese a algunos innecesarios subidones de azúcar y a algunos de sus estereotipados personajes (salen negras de ojos saltones muy abiertos). Está basada en una novela que, a ratos, resulta emotiva. Tampoco me extrañaría demasiado si fuera esta la película ganadora de este año.

La ausencia más notable es Drive que, a priori, lo tenía todo para colarse, al menos, entre las nominadas.

Y la mejor película de todas las que optan a algún premio en cualquier categoría es, en mi opinión, Nader y Simin, una separación, la película del director iraní Asghar Fahardi o la demostración fílmica de que

a) el cine es un lenguaje universal
b) mientras haya historias que contar, habrá cine.

Y, como dijo el sabio, mientras haya personas que sepan contar algo tan sencillo como su propia biografía, habrá historias que merezcan la pena ser contadas.

lunes, 20 de febrero de 2012

Juegos cinéfilos. Atención, pregunta: "¿Cuál es tu pelicula favorita?".

El Cine.., ¿entretenimiento o ejercicio intelectual?, ¿o las dos cosas?, ¿o es que acaso es posible que la mente pueda entretenrse sin darle un poquito al intelecto?. Tarkovski se oponía al entretenimiento en el cine porque decía que era "degradante para la audiencia" (!!!). Claro que Tarkovski era un filósofo que hacía cine.., y bueno.., los filósofos.., filósofos son. ¿Y la filosofía?, ¿sirve para algo?. Según Stephen Hawking ya no: La Filosofía ha muerto («La filosofía no se ha mantenido al corriente de los desarrollos modernos de la ciencia, en particular de la física. Los científicos se han convertido en los portadores de la antorcha del descubrimiento en nuestra búsqueda de conocimientos.», de su libro "El Gran Diseño").

Estemos o no de acuerdo con la conclusión de Hawking (yo lo estoy), creo que nadie cuestionará el hecho de que Stephen Hawking mantiene en forma a su intelecto. Y yo me pregunto: ¿qué buscará Stephen Hawking en el cine?. Pues no he podido averiguarlo, pero seguro que es algo que tenga que ver con Marlon Brando, su actor favorito.
En las antípodas de Hawking encontramos a Slavoj Zizek (el filósofo mediático de moda en estos últimos años). Sabemos que Zizek va al cine a disfrutar del personal universo de David Lynch, lo que no nos sorprende en absoluto. Como yo no admiro el intelecto de este filósofo provocateur ni el cine de Lynch, sus preferencias cinéfilas me impotan un bledo y mi cinefilia se reafirma en sus convicciones gracias a este sencillo asociacionismo.

¿Y el conjunto de profesionales del cine?, ¿cuál es su película favorita?. Es difícil saberlo, claro, pero generalmente se suele considerar a la lista de mejores películas que la revista Sight & Sound elige cada 10 años (desde 1952) como el referente más fiable para responder a esta cuestión. En aquel lejano 1952 la primera lista la encabezó la genial Ladrón de Bicicletas (Vittorio de Sica, 1949) pero en las siguientes décadas la película que ha liderado imbatible la clasificación de Sight & Sound es Ciudadano Kane (Orson Welles, 1941). Yo prefiero la de De Sica.

Aunque, ¡¡¡achtung!!!, que no es lo mismo responder a esta pregunta razonando con la cabeza o rugiendo con las tripas porque como, muy acertadamente, dijo Spike Lee: "La mejor película de la Historia del Cine es Chinatown pero mi película favorita es En Busca del Arca Perdida". Está clara la diferencia, ¿no?. A Buñuel la película que le empujó a hacerse cineasta fue la magistral Las Tres Luces (1921, Fritz Lang), no sé si la han visto pero les aseguro que es muy, muy entretenida. Otro grande del cine resolvió muy acertadamente esta cuestión con la moraleja de su inmortal e imprescindible película Los viajes de Sullivan (1941, Preston Sturges):



Seguro que todos los cinéfilos hemos hecho alguna vez el ejercicio de buscar las películas favoritas de nuestros ídolos. ¿Cuáles eran las pelis favoritas de Kubrick o de Hawks o de Melville?, ¿cuáles son las películas favoritas de Gaspar Noé o de James Gray?. Y fuera del mundo del Cine, ¿cuáles son las películas favoritas de.., yo qué sé... Richard Dawkins o Antony Beevor?. Muchos son los que han respondido a la llamada de este entrañable juego y muchas son las sorpresas que nos encontramos entre sus respuestas. Algunas refuerzan nuestras propias convicciones y otras nos decepcionan profundamente. Otras son previsibles; entre las 10 películas favoritas de Ingmar Bergman solamente encontramos dos americanas El Crepúsculo de los Dioses de Wilder y El Circo de Chaplin.

En fin. ¿No saben divertirse los intelectuales?, ¿no quieren entretenerse los gafapastas?. Echemos un vistazo a unos cuantos ejemplos:

¿Saben cuál era la película favorita de...

¿André Bazin?. Les Vampires (1915-16, Louis Feuillade).
¿Y la de Nicola Tesla?. Frankenstein (1931, James Whale).
¿Y la de Ray Bradbury?. King Kong (1933, Merian C. Cooper/Ernest B. Schoedsack)
¿Y la de King Vidor?. Intolerancia (1916, D. W. Griffith)
¿Y la de Buñuel?. La Ley del Hampa (1927, Josef von Sternberg)
¿Y la de Albert Einstein?. Luces de la Ciudad (1931, Charles Chaplin)
¿Y la de Tarantino?. El Bueno, el Feo y el Malo (1966, Sergio Leone)
¿Y la de Spielberg?. Lawrence de Arabia (1962, David Lean)
¿Y la de Los Hermanos Coen?. Dos pillos y una herencia (1974, Mike Nichols) (¿alguien la ha visto?).
¿Y la de Clint Eastwood?. El Tesoro de Sierra Madre (1948, John Huston)
¿Y la de Hugh Hefner?. Casablanca (1942, Michael Curtiz)
¿Y la de Almodóvar?. La Noche del Cazador (1955, Charles Laughton)
¿Y la de Benedicto XVI?. Bakhita, La Santa Africana (2009, Giacomo Ciampotti) (¿alguien la ha visto?)
¿Y la de Michael Jordan?. Matrix (1999, Wachowski Bros.)
¿Y la de Brad Pitt?. El Planeta de los Simios (1968, Franklin J. Schaffner)
¿Y la de George Clooney?. 2001: Una Odisea del Espacio (1968, Stanley Kubrick)
¿Y la de Santiago Auserón?. El Cielo sobre Berlín (1987, Wim Wenders)
¿Y la de Godard?...

... venga, que les dejo un rato para que piensen...

... no conozco su favorita en la categoría absoluta pero la película americana favorita de Godard es... ¡¡¡Scarface!!! (1932, Howard Hawks). Toma ya. Genial. Por eso siempre nos ha caído tan bien este tipo aunque no nos guste ni su jump-cut ni gran parte de su cinematografía.

¿Quieren saber cuál es mi película favorita?. Seguro que a la mayoría de ustedes se la trae al pairo, pero de nada les va a servir resistirse porque se la voy a decir de todas formas: El Tercer Hombre (1949, Carol Reed).

¿Y la suya?. Recuerden: "solamente puede quedar una". Con sus elegidas prepararemos una encuesta para elegir nuestra película favorita de los lectores gusanos.

Ya sé que no es fácil. Ni siquiera Al Pacino puede decidirse entre El Padrino y El Padrino II...

sábado, 18 de febrero de 2012

D.E.P. Enrique Sierra (1957 - 2012).

Me acabo de enterar de que ayer murió Enrique Sierra, el guitarrista de Radio Futura. Tenía 54 años y era el autor del mejor riff de guitarra de todos los tiempos. Es este:


No me voy a enrollar con los detalles de su biografía (podéis encontrar un resumen en el enlace a wikipedia). Hoy solamente quiero decir una cosa: Las guitarras de Enrique Sierra en el disco La Ley del Desierto, La ley del Mar (1984) son, para el que esto escribe, los mejores guitarrazos del pop-rock español.

Descanse en paz maestro. Lo conseguiste tío: vivirás para siempre gracias a tu música.

Mis Canciones Favoritas: God Help The Girl.

Por culpa de David nos hicimos súper fans de este grupo: God Help The Girl (un experimento musical de los escoceses Belle & Sebastian). También nos hicimos súper fans de su homónimo disco de 2009 "God Help The Girl". Y si digo "por culpa" suya es porque, desde entonces, parecemos menos viriles a los ojos de las féminas. Cachis.

El track 2 de este estupendísimo álbum que hoy les recomendamos lleva por título.., sí.., "God Help The Girl" y está interpretado por Catherine Ireton, una cantante irlandesa que canta como los ángeles.

Con todos ustedes God Help The Girl interpretando God Help The Girl de su disco God Help The Girl:

jueves, 16 de febrero de 2012

Momentos Mágicos del Cine. 85 Años de Tres Obras Maestras del Cine Mudo.

En 1927 se estrenaron, al menos, tres obras maestras del Cine:

1.- Amanecer (USA, Dir: Fiedrich Wilhelm Murnau). Murnau fue un genio del cine. Vaya descubrimiento. Aquí traigo una prueba: el siguiente plano secuencia está a puntito de cumplir 85 años y, a día de hoy, todavía existen directores que no saben hacer travellings como esta celebérrima y mítica lección de cine:



2.- Napoléon (Francia, Dir: Abel Gance). Absolutamente imprescindible. Es una película tan buena, tan genial, sigue tan vigente y es tan moderna que, desde aquí, reto a cualquiera de los que no la hayan visto y se muestren reticentes a hacerlo a que se pongan a ello en cuento puedan y, a cambio, yo les prometo que, si tras ver sus más de 200 mudos minutos no quedan satisfechos, me autocastigaré (otra vez) con el revisionado de Magnolia, Réquiem por un Sueño, Inland Empire y una película española a elección del insatisfecho e ignorante sujeto de marras.

Para todos los fans de esta obra maestra tengo buenas noticias. El mes que viene se estrenará en los USA una versión restaurada por Kevin Brownlow que incluye una nueva banda sonora creada por el gran músico escocés Carl Davis, uno de los compositores que mejor han sabido acompañar con música las grandes obras cinematográficas de la época muda (recordemos su gran contribución a El Gran Desfile). A ver cuándo podemos hacernos con esta versión. Mientras tanto nos conformaremos (que no es poco) con la que tenemos: la restauración de 1980 de Francis Ford Coppola que musicó, y muy bien, su padre Carmine Coppola. Ah, por cierto, Napoleón de Abel Gance va a cumplir 85 años y todavía no se pueden subir vídeos al youtube por rollos del copyright...



3.- El Maquinista de la General (USA, Dir: Buster Keaton). Venga, que la suelto bien gorda: El Maquinista de la General es, en mi opinión, la mejor pelicula de la Historia del Cine Mudo. Ni montaje eisensteiniano, ni expresionismo alemán, ni súper Griffith, ni súper Chaplin, ni amaneceres murnauianos, ni avariciosos von stroheims... (jo, casi nada lo que acabo de descartar), porque si me veo en la angustiosa tesitura de tener que elegir al mejor cineasta del cine mudo (me gustan estos jueguecitos), me quedo con el maestro Buster Keaton. Aquí tienen una muestra de ello. En este sencillo gag de El Maquinista de la General descubrirán cuál es el secreto para conseguir que la convivencia con su pareja dure toda la vida:



¿A qué viene todo esto?. Pues viene un poco a propósito del éxito de The Artist, ya que en 1927 también se estrenó El Cantor de Jazz (USA, Dir: Alan Crosland), la primera película sonora. El Cine, que estaba en la cresta de la ola en lo que calidad artística se refiere, cambió para siempre jamás. ¿A mejor?. Hombre, pues claro, que tampoco somos tan carcas...

Dedicado a mi mami, claro:

martes, 14 de febrero de 2012

Canciones de Cine. You always hurt the ones you love, Blue Valentine (2010, Derek Cianfrance). Los hombres somos más románticos...

Dicen que la trama de Blue Valentine va de cómo el amor se desvanece y agoniza en una pareja que parecía perfecta y predestinada a durar para siempre jamás. Pero yo creo que la moraleja de la película la dice el protagonista masculino de la historia cuando en una escena comenta una premonitoria sentencia: "Siento que los hombres somos más románticos que las mujeres. Cuando nos casamos con una chica es porque aguantamos todo el camino... Pero parece que las mujeres sólo eligen la mejor opción... Se pasan la vida buscando al Príncipe Azul y luego se casan con el tipo que tiene un buen trabajo"

Si yo fuera políticamente correcto también diría, para que no se me cabrearan las lectoras, que la historia va de una pareja que, tras seis años de matrimonio, está pasando por sus horas más bajas en lo que a convivencia y respeto mutuo se refiere, por lo que ambos deciden apostar por una noche romántica en un hotel para intentar avivar esa llama que todavía parece titilar entre los rescoldos de su relación. Pero lo cierto es que en Blue Valentine la apuesta la hace solamente el marido. Es él el que considera que con su matrimonio ya ha llegado a la meta, que su objetivo en la vida es, nada más y nada menos, que el de cuidar a su esposa y a su hija. Mientras que su esposa cree que el vestido de novia no era sino el comienzo de una aventura vital que nunca acaba de llegar. Habemus crisis, porque lo mismo que existe la Europa de las dos velocidades existen los matrimonios de dos velocidades.


Yo no sé reseñar películas como Blue Valentine porque se me da fatal ponerles letras a los sentimientos, a los propios y a los ajenos. Así que me voy a limitar a recomendarles que vean este drama romántico que rebosa, en cada plano, en cada escena, jugosísimos detalles de las imperfecciones de la Vida, de las perfecciones de eso que llaman el juego del amor y también de los devastadores efectos de la tragedia del desamor, que es una de las cosas más dolorosísimas que pueden llegar a sufrir las pobrecitas almas de los seres humanos, porque ya nos dijo el poeta que algunas oscuras golondrinas nunca vuelven por muchas horas que pasemos asomados al balcón.

Blue Valentine es una película conmovedora solamente apta para adultos. Quiero tranquilizar a los lectores más testosterónicos y también a los más asustadizos: Blue Valantine no es una película gafapastista sino intimista. No es una película para nenas sino para aquellos que, alguna vez, han amado a otra persona más que a nada en este puñetero mundo.

Ya paro.

El caso es que este estupendo, hermoso y triste trabajo del director norteamericano Derek Cianfrance incluye una estupenda canción que en la película es interpretada por el actor protagonista, Ryan Gosling, en una escena de ésas que se quedan grabadas en tu cerebelo cinéfilo para toda la vida:



El cover que, ukelele en mano, se marca nuestro admirado Ryan Gosling (al que este año hay que otorgar el galardón de Actorazo Gusano del Año por sus actuaciones en Drive, The Ides of March y Crazy, Stupid Love) se ha hecho bastante popular por lo que abundan en internet los homenajes youtuberos. No es para menos.

No se pierdan Blue Valantine, no se arrepentirán. Disfruten ahora del maravilloso tema de 1944 You Always Hurt the Ones You Love en la versión de The Mill Brothers. ¡¡¡FELIZ SAN VALENTIN!!!

viernes, 10 de febrero de 2012

Irreductibles: Kurt Atterberg un músico sueco, neorromántico, folklorista, un poco carca pero genial.

El prolífico e hispalense dvd, admirado blogger y hombre del Renacimiento que con la misma soltura navega entre aguas gafapásticas como surfea sobre las sublimes olas del Gran Arte (= el que me gusta a mí), nos recordaba, a finales del pasado 2011, lo hermosa que es esa gran película de Ingmar Bergman titulada Fanny y Alexander (1982).

Como prólogo musical a la película del realizador sueco dvd eligió la música de otro sueco: el compositor Kurt Atterberg (1877-1974), uno de los grandes irreductibles de la música tonal del siglo XX.


Atterberg fue un prolífico sinfonista al que no amedrentó la "maldición de la 9ª" (aquella que dice que cualquier compositor que llegue a completar 9 sinfonías morirá, irremediablemente, inmediatamente después de la finalización de esa "última novena" por haber osado intentar eclipsar al mismísimo Beethoven). Atterberg compuso 9 sinfonías homenajeando, precisamente en su novena, al gran maestro alemán y, tras ello, sobrevivió todavía 20 años más.

La parte oscura de su biografía la encontramos, como no podía ser de otra manera, durante los convulsos años de la Segunda Guerra Mundial. Tras la contienda, Atterberg quedó estigmatizado en muchos círculos musicales por haber permitido el estreno de sus sinfonías n. 7 (1942) y n. 8 (1944) en la Alemania nazi. ¿Fue Atterberg un filonazi o no pudo resistir la tentación de ver sus obras estrenadas en vida en el país sinfónico por excelencia (un honor que se brindaba a muy pocos compositores no alemanes)?. Seamos justos con Atterberg y recordemos su contexto histórico-cultural: Suecia no se alineó oficialmente ni con el Eje ni con los Aliados, pero las simpatías del gobierno sueco (y de la mayoría de los habitantes del país) con la Alemania de Hitler fueron más que evidentes.

Mis sinfonías favoritas de Atterberg son las número 1, 2, 3, 4, 5, 6, 7, 8 y 9... ¡Me gustan todas!. Y es que Kurt Atterberg fue un gran orquestador, brillante y colorista, un maestro en crear ambientes climáticos y poseía una sensibilidad musical que, aunque miraba siempre de manera algo anacrónica hacia un pasado musical romántico-nacionalista, demostró ser especialmente genial en los movimientos lentos de sus sinfonías; son una auténtica delicia.

Por ello les recomiendo que comiencen por aficionarse a la muy accesible música sinfónica de Atterberg escuchando los adagios de, por ejemplo, las sinfonías n. 5 "Fúnebre" (1922), n. 6 "Sinfonía del Dólar" (1928) o n. 8, la más folklórica de todas ellas.

Con todos ustedes, Kurt Magnus Atterberg, compositor sueco al que el tiempo, superadas las dictaduras de las vanguardias del siglo XX, está poniendo en su sitio y que, desde el más allá, me ha dicho que quiere dedicar hoy los diez minutos del II Movimiento, Adagio, de su Sinfonía n.8 a mi amigo lafcadio en el día de su cumpleaños.

A ver qué tal les suena a ustedes esta maravilla. Pocas veces el reiterativo acompañamiento de tres simples notas han dado tanto juego musical a un corno inglés:

miércoles, 8 de febrero de 2012

4 Años de... De Gusanos y Lombrices.

Pues sí, hoy cumplimos 4 años.


Como hace pocos días, con motivo de la celebración de las MIL ENTRADAS GUSANAS, ya di bastante el coñazo con agradecimientos varios, no me voy a extender más en este sentido, así que seré breve: Gracias, de nuevo, a todos nuestros lectores a los que queremos recordarles que nos gustan los cómics, el cine, la música clásica, el rock, las mujeres, la cerveza, los gintonics, el vino flojo, el porno también flojo, el pan, las croquetas, las barbas, los blogs de nuestros colegas, que somos ateos, tirando a izquierdistas, que estamos a favor del derecho al aborto libre, del matrimonio homosexual y que no vemos Tele5. Lo normal entre la gente de bien, vaya. También nos gustaría que se revisaran ustedes nuestros principios fundacionales y nuestro himno oficial.

¿Sucedió algo más importante aquel ya lejano 08 de febrero de 2008?. No, que yo sepa. Así que pasando de efemérides.

Si tuviera que elegir una palabra para resumir estos 4 años gusano-blogueros.., ¿cuál elegiría?. No sé. Cuando cumplamos 5 años elegiré "lustro".

Pero si tuviera que elegir un videoclip para ilustrar lo que me gustaría que fuese nuestro blog, elegiría éste:

lunes, 6 de febrero de 2012

Palomitas De Luxe: Headhunters (Morten Tyldum, 2011).

Hacía tiempo que no veía en una película a un noruego bajito en calzoncillos con la cabeza afeitada y el cuerpo completamente cubierto de mierda, conduciendo por una carretera un tractor con un perro muerto insertado en el rastrillo... ¿Y ustedes?, ¿tampoco?. Si les atrae el asunto vean la película que les recomendamos hoy: Headhunters, el entretenidíiiiiiiiiisimo thriller dirigido por el realizador noruego Morten Tyldum basado en la novela homónima de 2008 del escritor Jo Nesbo, una novela que, según leo, fue un auténtico bestseller en Noruega. No me extraña, porque la historia es la bomba.


Medir 1,68 en Noruega es un hándicap para triunfar en la vida. Al menos eso cree el ambicioso Roger, el protagonista de Headhunters, un tipo para quien el triunfo vital consiste en tener mucho dinero, vivir en una gran casa y tener una esposa cañón que trabaje en algo cool como, por ejemplo, en una galería de arte (reconozco que no es mala filosofía).
Roger es un reputado cazatalentos que trabaja seleccionando a los mejores candidatos para ocupar los puestos directivos de las más importantes corporaciones internacionales. Pero su sueldo unido a su altura no le llegan para ser un triunfador, según su particular criterio, así que se saca un sobresueldo robando obras de arte de las mansiones de esos directivos a los que somete a una tendenciosa entrevista personal. Todo va bien hasta el día que Roger elige a la víctima equivocada... Comienza la caza en la que Roger, acostumbrado a ser el cazador, pasa a ser la presa.


Tras un engañoso arranque al estilo del género de ladrones de guante blanco, comienza uno de los más trepidantes guiones que he visto en los últimos años. Un guión que no escatima en ninguno de sus ingredientes principales: violencia explícita, acción a raudales, humor tan negro como el de la escena que he descrito al comienzo del post, e inesperados giros argumentales. La historia viene con moraleja incluída (y es hermosa): el tamaño no importa.

Y, tras ver la película, serán capaces de extraer una segunda conclusión: lo mojigatos que pueden llegar ser los guionistas actuales de un Hollywood empeñado en ser tan políticamente correcto que sus memeces blockbusteras quedan expuestas y en ridículo, cada día más, cuando se las compara con las obras más sobresalientes de otras filmografías que, afortunadamente, siguen tratándonos a los adultos como adultos, o sea, con respeto hacia nuestras neuronas. De todas formas lo del remake yanki de Headhunters va a ser impepinable.


No se pierdan Headhunters si la estrenan en nuestro país porque es una película buenísima, de ésas que se ganan los euros que cuesta una entrada de cine. Sin estrellas de Hollywood pero con una mala baba que es de agradecer. Su portagonista Aksel Hennie (actor al que los fans del cine bélico - WW2 recordamos por su papel en la notable Max Manus, 2008) está que se sale.

Venga, vale, que lo digo: Headhunters es una película acojonante que no va a defraudar a ninguna clase de cinéfilo. Palabra de MrLombreze. Tan acojonante como su tráiler:

viernes, 3 de febrero de 2012

20 Años de... Angel Dust (1992, Faith No More).

De todos es conocida mi admiración cuasi fanática por el que es uno de mis grupos favoritísimos: los californianos Faith No More cuya obra maestra, Angel Dust, cumple ahora 20 años. Aprovechen la efeméride para comprarse as soon as possible (si es que no lo tienen ya) este genial cd que mezcla pop, rock, funk y metal, y que es, todavía hoy, un disco original, inteligente, ecléctico y divertido, cuatro de las más grandes virtudes de las que cualquier ser humano o creación artística puede alardear.


Angel Dust es esto a fecha de hoy, como ya digo, así que no quiero contarles lo que significó, para mí y para muchos rockeros, el descubrirlo y escucharlo hace 20 años. Bueno, sí que quiero: fue una revelación musical en toda regla comparable a las de sus contemporáneos Rage Against The Machine y Blood, Sugar, Sex, Magik, por nombrar dos ejemplos equivalentes en mi personal y convencional universo musical, lo que, ahora que caigo, convierte a 1992 en el mejor año alternativo-metalero de la Historia de la Música (además de ser el año en el que visité, por primera vez, París).

Creo que ya han sonado por este blog, al menos, tres de las cinco más accesibles canciones de Angel Dust (el resto son unas idas de bolo que me encantan pero no aptan para todos los gustos, todo hay que decirlo): A Small Victory, Be Aggressive y Everything´s Ruined, así que parece que le toca hoy el turno a otro temazo que, seguramente, les viene al pelo a nuestros lectores más talluditos.

Me refiero al tema titulado Midlife Crisis, o esa crisis vital que dicen que nos llega alrededor de los treintaymuchos tacos, cuando nos damos cuenta de que no nos falta tanto para irnos para el otro barrio al mismo tiempo que comprobamos, horrorizados, cuántos y cuántos proyectos y sueños de juventud siguen sin realizarse y, lo que es peor, sin muchas espectativas de que la cosa vaya a mejorar. Es duro afrontar la idea de que puede que nuestra meta en esta vida acabe siendo, con suerte, llegar a tiempo a la jubilación para cobrar una pensión. A los que tengan depositadas en sus hijos sus esperanzas de una dorada vejez: ¡buena suerte!.

Ya ven de dónde viene mi afición por los cutremontajes fotográficos...

Les pido disculpas si mi parrafito anterior les ha provocado algún leve bajonazo. No me lo tengan en cuenta. Para compensarles del mal rato disfruten de Midlife Crisis, another fuc**ng master piece de Faith No More y primer single de su mítico cd (al menos para mí) Angel Dust: "Es la crisis de la mediana edad. Vaya herencia...".

miércoles, 1 de febrero de 2012

Advertencia Gusana: Caballo de Batalla (Steven Spielberg, 2012). Un engendro bochornoso.

Pfffffffffffffffffffffffffff, o sea.., de verdad.., pffffffffffffffffff.., unbelievable.., pffffffffffff.., es que.., es que... ¡¡¡Hacía años que no veía una película tan horrorosamente mala como War Horse!!!.

¿A que promete?... Pues nada.

Lo de los Oscars de este año es de traca (otra vez), algo a lo que ya creíamos estar acostumbrados. Pero no. Ni The Artist es tan buena, ni Midnight in Paris es tan buena, ni The Descendents es tan buena, ni Moneyball es tan buena, ni The Help es tan buena, ni Gary Oldman está tan bien, ni entendemos por qué falta Drive, ni etc, etc, etc... Pues bien, War Horse supera todo esto y mucho más porque War Horse es un compendio de los más torpes y cursis tics de lo peor de la peor filmografía de Spielberg. O sea, War Horse no es que no sea tan buena como para merecer estar nominada a un Oscar a la mejor película, sino que War Horse es, simplemente, una película malísima.

La historia es bienintencionada (el guión está basado en una novela infantil de 1982) y pretende mostrar, al estilo del cine familiar spielbergiano, pinceladas de aquello del goyesco concepto de los desastres de la guerra, en este caso de la Primera Guerra Mundial que fue una de las más crueles carnicerías que sufrió la vieja Europa (20M de muertos). Los timoratos y torpes guionistas de esta cosa, que se titula en nuestro país Caballo de Batalla, nos intentan mostrar unas cuantas feas caras del conflicto desde el punto de vista de un animal, de un caballo, un bicho fuerte y noble. No lo consiguen, pero lo intentan.

El equino protagonista es la metáfora perfecta para una de las moralejas: solamente con nobleza, fortaleza y abnegación fue posible sobrevivir, física y moralmente, entre los detritus de las aberraciones que se cometieron en nombre de las decadentes potencias europeas que se desangraron por conseguir la hegemonía en nuestro continente entre 1914 y 1918. Lo irónico del asunto es que tiene que ser un animal, un caballo, el que tenga que recordar a los humanos la importancia de esos valores de los que, supuestamente, alardea nuestra especie. Ah, y luego está lo del amor entre el nene y el bicho que es un amor parecido al que se profesaban entre sí KITT y Michael Knight.


Total, que War Horse es la historia de un caballo que nace para ser una estrella de los hipódromos pero que por la cabezonería de un pueblerino farruco y borrachín acaba tirando de un arado hasta que es vendido al ejército británico para que preste servicios equinos durante la WWI. Mal asunto, se calcula que solamente el ejécito UK perdió unos 500.000 caballos durante la Gran Guerra. Los servicios de Joey (el caballo protagonista) irán desde servir de montura a un oficial de la caballería británica hasta trabajar como animal de tiro de la pesada artillería germana.

La venta del bicho le rompe el corazón al hijo del borrachín, el niño spielbergiano de la peli que protagoniza la animal love story. El caballo es muy guapetón, muy fuerte, pero también es muy gafe. Joey, por culpa de los avatares de la contienda, va pasando de mano en mano (efectivo recurso narrativo que ya hemos visto en pelis como Winchester 73 o El Violín Rojo). A todo aquel que se le acerca le van a ocurrir, inevitablemente, dos cosas: 1.- va a tener un flechazo con el caballo y 2.- el sujeto en cuestión la va a palmar. Y ya no cuento más. Pero se pueden imaginar por dónde van los tiros y no les costará deducir si finalmente hay un happy end o no en esta horrible adaptación al cine que ha perpetrado Steven Spielberg. Solamente quiero añadir que algunas escenas provocan una vergüenza ajena tan intensa que la situación les puede incomodar de tal manera que les lleve a pensar que hubiera sido mejor quedarse en casa viendo La Noria (con eso está todo dicho).

Si no lo escribo, reviento: "¡Al Ataqueeeeeeerl!".

War Horse es una azucarada cursilería que, para más inri, dura unos cuasi insufribles 145 minutos durante los que desfilan una serie de personajes sin personalidad (da igual que sean bestias o humanos) que no han sido, en absoluto, desarrollados por los guionistas en ningún sentido. Los momentos más melodramáticos provocan náuseas o risas dependiendo del grado de cinismo del espectador. La caracterización de los personajes y el rigor histórico dan pena. No la vean. Es horrorosa.

War Horse tiene un look que comienza con un prólogo que me recordó al fordiano tono de Qué Verde era mi Valle, aunque en versión horteramente pintoresca, pastoril o costumbrista pero siempre tontorrona (como su banda sonora), y que termina con un epílogo filmado como un western al estilo de Lo que el viento se llevó. En medio hay un poco de todo.., menos sensiblidad o Arte. War Horse es un fallido intento de crear un cine épico de aroma clásico cuyo resultado final me ha irritado sobremanera.

Por cierto, si tienen críos no los lleven a verla, ¿eh?, que les van a salir del cine traumatizaditos. En serio.

Entonces si no es para críos y no es para adultos, ustedes se preguntarán "¿para quién co**nes es esta película?". No tengo respuesta.

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