Bienvenidos a De Gusanos y Lombrices. We Are The Best.

domingo, 16 de noviembre de 2014

Pregúntale a Johannes: ¿Quién inventó los Canelones Rossini?

Juan A. R., un asiduo lector de nuestro blog nos envía la siguiente consulta desde Ifigenia en Aulide, su localidad natal:

"Estimado Johannes, ¿es cierto que Gioacchino Rossini inventó los Canelones Rossini?" 

Veamos qué contesta nuestro amigo Johannes:

"Sí, es cierto". 

Esto no me lo esperaba....

En Fin... Voy a rellenar un poco el post que ha quedado algo raquítico.

Gioacchino Rossini (1792-1868) es el rey del bel canto o sea, el rey de hacer cantar a los personajes de sus óperas de manera alegre, jovial, fresca y llena de gorgoritos, trinos y demás  adornos  propios de la opera buffa.


Luego llegaron Wagner y Verdi y dijeron que no, que todo tenía que sonar más serio y más dramático y pusieron a todo el mundo a cantar spinto

Ya dijimos el día que escribimos sobre el Réquiem de Verdi que Rossini era uno de nuestros compositores favoritos, predilección en la que pesa mucho el que a los 37 años compusiera Guillermo Tell, cambiando de estilo justo en el momento en el que todo el mundo le imitaba.

Final de la Obertura de Guillermo Tell (1829).
Himno oficioso de cualquier carga de caballería.


 Y esa fue su última ópera. 

Hagan cuentas y se darán cuenta (toma chascarrillo) de que Rossini que vivió 40 años más tras su "jubilación" musical... Una de las teorías que encontramos para explicar este sorprendente hecho dice que el compositor estaba ya tan forrado y era tan unánimemente admirado que dedicó el resto de sus días a cosas más importantes que la música clásica: comer bien, beber bien y vivir mejor (murió en París).

El caso es que viendo la cara de este compositor se nota a la legua que tuvo que ser un tipo campechano y un buen compañero de mesa. Es decir: Héroe Gusano.

 Obertura de Semiramis (1823).
Impresionante.

 

domingo, 9 de noviembre de 2014

Mis Canciones Favoritas. The Female of the Species (1996, Space).

Cuando el campesino en el Himalaya se encuentra al oso,
Grita para asustar a dicho monstruo, el cual a menudo se hace a un lado.
Pero la osa al ser abordada, se enfrenta con uñas y dientes
Pues la hembra de las especies es mas mortífera que el macho.

Así comienza The Female of the Species, poema de Rudyard Kipling de 1911.

Y homenajeando al célebre escritor británico, el grupo inglés Space incluyó en su imprescindible disco Spiders (1996) una de mis canciones favoritas: 
The Female of the Species.

Space = britpop + hiphop + humor -  pose. 
Qué más se podía pedir para combatir el tostón grunge.

jueves, 6 de noviembre de 2014

Grandes Frases de la Historia. Emma Goldman.

"Si no puedo bailar, no quiero estar en su revolución".








Respuesta de Emma Goldman (1869 - 1940, judía, lituana, libertaria, feminista, antibolchevique y, sobre todo, persona) a uno de sus estúpidos "camaradas" revolucionarios que le recriminó su comportamiento por culpa de unos movimientos de baile que, a sus ojos de fanático, eran indignos de la Causa.

Su biografía es muy interesante.

Vamos a ver este documental de 2003 sobre la vida de la que fue enemigo público de los USA durante 3 décadas.

sábado, 1 de noviembre de 2014

Pequeñas Joyas del Cine Contemporáneo. We Are The Best! (2013, Lukas Moodysson).

Venga, que voy con una de mis locas teorías vitales. 


Desde hace mucho tiempo vengo defendiendo que todo aquel que no ha participado en alguna comunión espiritual con un grupo de amigos y no ha llegado a una conclusión del estilo "¡Somos los Mejores!", no ha vivido la adolescencia. Me vale aunque el grito haya sido emitido una sola vez y acepto el agravante (o atenuante) de que sucediera en algún clímax etilíco - efervescente.

Estoy convencido de que en esta carencia se encuentra el origen de muchos comportamientos inmorales e ilegales de todos los ladrones cincuentones que han saqueado nuestro país. Hasta que no han tenido en sus manos una Tarjeta Negra no han gritado (en su caso, aullado): "¡Somos los Mejores!". Estos latrocinios que estamos sufriendo son el reverso tenebroso de los estallidos de rebeldía que todo ser humano necesita para sentirse vivo.

Para canalizar la rebeldía bien entendida se inventó el rock and roll y para amateurizar el rocanrol, o sea, para hacer su ejecución asequible a cualquiera, con o sin dotes musicales, con o sin dotes literarias, con o sin dotes estéticas, se inventó el punk que vivió su gloria en la década de los 70s y que murió cuando llegó la música disco lo mismo que el cine de autor norteamericano murió cuando llegó La Guerra de las Galaxias y el insoportable C-3PO mató a The Ramones.

Para componer una canción punk se necesitan nada más (y nada menos) que dos acordes y una letra como ésta:

Odio la gimnasia, Odio la gimnasia, Odio la gimnasia. 
Las personas mueren y matan 
pero a ti sólo te importa el salto de altura. 
Los niños están muriendo en África 
pero a ti sólo te importan las pelotas en el aire...


¡Somos lo Mejor! es, hasta el momento, la mejor película que he visto en este 2014. Tiene un argumento aparentemente sencillo pero tan inteligente como lo tenía la ópera prima (Fucking Amal, 1998) de su director, el sueco Lukas Moodysson, al que todos conocemos por crear la estupenda Lilya forever (2002) y por perpetrar la insoportable Mamut (2009).

Estocolmo 1982. Tres jovencitas de 13 años encuentran en el hito vital de formar un grupo de música punk la válvula de escape con la que liberar la presión a la que se ven condenadas por el delito de ser los bichos raros del colegio. Como ustedes ya se habrán imaginado, son tres rebeldes sin causa, así que se inventan una en forma de canción protesta cuya primera estrofa les he presentado un poco más arriba.

La gran baza de la película reside, sobre todo, en las asombrosas interpretaciones de sus tres jóvenes protagonistas que, en combinación con la realización de Moodysson, confieren a la película una naturalidad que alcanza un nivel sobresaliente.

No se pierdan ¡Somos lo Mejor!. 
Y si todavía no lo han gritado.., háganselo mirar.

Con todos ustedes... 

Les iba a poner a MC5 para hacerme el guay, pero qué narices, escarbar en los orígenes del punk no tiene nada de punk attitude, así que, repito, con todos ustedes:  

Sus Majestades The Ramones. 

domingo, 26 de octubre de 2014

Boccherini y el Cine. Toma Fandango.

Haga lo que haga Woody Allen en el cine, ver una de sus películas nunca supone una pérdida de tiempo. Aunque Conocerás al Hombre de tus Sueños (2010) se quedara en la segunda división de su filmografía, Allen, como siempre, nos regaló unos cuantos momentos memorables y una selección musical digna de ser revisada. Hoy traemos el toque clásico que suele acompañar los últimos trabajos del maestro. 

En este entrega alleniana, el personaje que encarna la actriz Freida Pinto tiene leit motiv propio:

el Fandango de Boccherini. 


Luigi Boccherini (1743 - 1805) fue uno de los primeros compositores clásicos que se asomaron por este blog y a quien hoy volvemos a traer para que nuestros lectores disfruten con su colorista y folclórico Fandango del Quintento n. 2 para Guitarra y cuarteto de cuerda (1788), una de sus tres obras más populares junto a...

... la ya reseñada Música Nocturna de las Calles de Madrid que sonaba en la magistral Master and Commander (2003, Peter Weir)...

 

... y al célebre Minueto que popularizó en 1955 la película El Quinteto de la Muerte (Alexander Mackendrik).


Boccherini ha resultado ser pues, dos siglos después de su muerte, un compositor muy de cine.

Boccherini fue enterrado en una fosa común... pero, afortunadamente, en 1929 su ciudad natal, Lucca, trasladó sus restos al panteón de hijos ilustres y le dedicó la siguiente inscripción: "Luigi Boccherini: tuvo conciencia de su dignidad y fue pura alma de artista. Abrió una era nueva a la música instrumental de cámara. Honró a Italia fuera de Italia". 

Y nosotros hoy honramos al que es probablemente nuestro compositor favorito del empalagoso y camerísitico período clasicista, rococó, cortesano y todo eso (1750 - 1820).

¡Toma Fandango! (Parental Advisory: Suenan Castañuelas).

 

domingo, 19 de octubre de 2014

The Salvation (2014, Kristian Levring). Un estupendo Frikadeller Western.

Fueron buenos tiempos ésos en lo que John Ford inventó el Western (La Diligencia, 1939), Fred Zinemman lo narró en tiempo real (Solo ante el Peligro, 1952),  George Stevens lo fotografió con la mejor noche americana de su historia (Shane, 1953), Sergio Leone lo hiper fotografíó (revolucionando, de paso, la  Historia del Cine más que toda la noveulle vague junta) hasta que Sam Peckinpah enterró la mítica del género con su magistral Grupo Salvaje (1969). 

Terminaron los 60 y terminó el western que durante el casi medio sigo que ha pasado desde entonces ha vivido de crepúsculos, antropologías, revisionismos, ocasos, homenajes y ninguna reinvención. ¿RIP?.


Pues no, porque el western es la historia de la civilización contra la barbarie y, mientras haya barbarie (que parece que hay cuerda para rato), tendremos western aunque sea en las dosis mínimas necesarias para la supervivencia cinéfila.

Para los yonkis del género traemos hoy a nuestro blog un western danés.

En serio.

Un western danés.

Y resulta que es un buen western.



The Salvation es una historia de Venganza que en el Oeste es sinónimo de Justicia, o sea, de civilización, o sea de exterminio de las bestias aunque tenga que ser a tiros. Es la historia de un inmigrante danés que huye de una guerra europea (Dinamarca vs. Alemania, 1850) y que busca una nueva vida en los USA, tierra de  oportunidades.

Tras siete años de duro trabajo en compañía de su hermano (otro veterano de guerra como él), Jon (Mads Mikkelsen) alcanza a sublimar sus sueños de pionero: consigue traer consigo a su esposa y su hijo pequeño. Durante el primer viaje en diligencia la tragedia golpea a la familia con crueldad... Comienza una espiral de venganzas y, cómo no, de violencia a golpe de Colt y Winchester. 

Nada más. 

Y nada menos.

No se pierdan The Salvation porque cuenta con una ambientación sobresaliente, una fotografía asombrosa y una sobriedad narrativa ante la que me quito el sombrero. Un peliculón para los fans del western como yo.

Y, of course, una banda sonora como dios manda (con leit motiv homenaje a Ennio Morricone).

lunes, 13 de octubre de 2014

The Homesman (2014, Tommy Lee Jones). Un western feminista.

La gran ecuación de la Humanidad es ésta: C = A + P. 

O sea, Civilizacion = Asfalto + Policía. El asfalto sirve para protegernos de los animales y la policía para protegernos de los animales antropomorfos. Sin asfalto ni policía nos encontramos a merced de los elementos, o sea, en medio del caos. Y eso si tienes la suerte de ser hombre porque si naces hembra tienes que combatir otra amenaza tremenda: el hombre.


Pues de esto va The Homesman porque es, todos en pie, un western feminista. Dos conceptos maravillosos que unidos consiguen, en el caso de las película que recomendamos hoy, un western sobresaliente.

Mary Bee (Hilary Swank) es una solterona treintañera que vive en medio de Nebraska en 1855 que es como decir que vive en medio de la nada. Mary está soltera porque dicen que es una mandona pero Mary es, ni más ni menos, una mujer que, sencillamente, se viste por los pies y quiere mantener su dignidad a salvo de embestidas machistas. Su carácter es su mejor defensa aunque la condena a la soltería (un crimen imperdonable en esa época).

Algunas de sus vecinas no han sido tan afortunadas como ella.

Su comunidad se enfrenta a un problema. Tres mujeres han enloquecido a consecuencia de las durísimas condiciones que los pioneros de la conquista del Oeste tuvieron que soportar. Estamos hablando de sangre, sudor y lágrimas. Sus maridos no pueden atenderlas y la iglesia metodista les consigue un asilo en su congregación de Iowa. Pero el problema que se plantea es ¿quién va a llevarlas hasta Iowa?. Es un camino largo, difícil y lleno de peligros. Los maridos no pueden abandonar sus granjas. Mary Bee Cuddy se ofrecerá voluntaria para tan difícil misión. O, más bien, una misión imposible hasta que el destino cruza en su camino a un viejo truhán: George Briggs (Tommy Lee Jones), personificación del pragmatismo absoluto. O, al menos, así comienza su relación con Mary.

Y así comienza, también, la parte de la road movie.


Tommy Lee Jones apuesta por un tono realista, dentro de los cánones clásicos cinematográficos, por lo que les advertimos que las escenas descarnadas están aseguradas (la escena en la que tiran a un recién nacido al retrete es breve pero intensísima). Pero la gran baza de la película es, según mi sensibilidad, el emotivo homenaje del director a los cojonazos de todas esas mujeres sin cuya contribución la conquista del Oeste hubiera sido imposible.

Homenaje al que me uno desde esta mi recomendación para que no se pierdan The Homesman y disfruten de unos fuertes personajes principales rodeados de unos estupendos secundarios de lujo. Una amarga historia con intento de redención fallido y final nihilista.

Advertidos quedan.

Estupenda banda sonora.

 

jueves, 9 de octubre de 2014

10 Años de... La Boda de Mr. Lombreeze.

- Homer, ¿sabes por qué me casé contigo?.

- Porque te preñé.

- No. Porque te quiero.



Dedicado a mi esposa. 
Súper temazo de El Rey. 

She Wears My Ring, 
cover de la inmortal La Golondrina (1862, Narciso Serradell)


lunes, 6 de octubre de 2014

200 Años de... La primera expedición internacional sanitaria. Y fue española.

Vacuna viene de vaca.

No se rían que es verdad.

Tuvo que ser un médico rural, cómo no, el que hiciera caso de la sabiduría popular y no tomase por locos a aquellos pueblerinos que juraban que ellos no podían contagiarse de la viruela humana porque ya habían pasado la viruela vacuna, la que le habían contagiado sus animales de granja (mucho menos virulenta). El prohombre al que nos estamos refiriendo se llamaba Dr. Edward Jenner, padre de la inmunología y, sin lugar a dudas, el ser humano que más vidas ha salvado en los 10.000 años que llevamos de civilización. Esto es así.

A la sombra de tan frondoso árbol de sabiduría crecieron otros muchos grandes doctores de entre los que hoy queremos destacar a nuestro compatriota el doctor alicantino Francisco Javier Balmis y Berenguer (1753-1819), un médico militar que impulsó la increíble hazaña que vamos a resumir ahora.

Como ya se pueden imaginar, cuando Jenner publicó sus ideas sobre la vacunación que, básicamente, consistían en la propuesta de infectar a los humanos con la viruela vacuna para inmunizarles de la viruela humana, el bloque reaccionario de turno calificó el método de “anticristiano” pese a que no tenemos constancia de que los inventores del cristianismo supieran casi nada de nada que tuviera que ver con la vida terrenal. 


Supongo que esta obra de Dios les parecería más piadosa.


Pero ya hemos contado, mil y una veces, que en este planeta no se quiere morir ni el tato (fanáticos aparte) y la contundencia de la eficacia de los métodos de Jenner llevaron a su universalización en pocos años.

En 1800 la vacuna llegó a España, solamente 2 años después de que Jenner publicara sus estudios. Y solamente 3 años después, el rey Carlos IV (uno de sus hijos había muerto por causa de la viruela) autorizó la propuesta del Dr. Balmis: vacunar a los habitantes de los dominios de ultramar. Casi nada.

Para ello se desarrolló un plan de vacunación que hoy puede parecer estrambótico pero que, a la postre, supuso la salvación de miles de vidas. El plan era el siguiente. Una expedición recorrería las posesiones españolas, desde Texas a Chile, desde Acapulco a Filipinas, con 22 vacunas.

¿Cómo se podía vacunar a miles de personas con solamente 22 vacunas?. Muy “sencillo”: con 22 vacunas humanas. 22 niños huérfanos fueron inoculados con el virus de la viruela de vaca y viajaron, a lo largo de varias expediciones, durante 11 años “contagiando” y supurando pus para las reservas de todos los hospitales de las antiguas colonias.

El propio Jenner, al enterarse de la noticia, comentó al respecto: “No puedo imaginar que en los anales de la Historia se proporcione un ejemplo de filantropía más noble y más amplio que este”.

Epílogo añadido el 07/10: La cosa no fue ni mucho menos tan cruel como pueda parecer a nuestros ojos de burgueses del Primer Mundo del desarrollado siglo XXI. A los 22 niños iniciales se les unieron posteriormente otros 80. Un niño solamente podía ser inoculado dos veces. Se inoculaban dos niños por semana. Su destino fue mucho mejor que el de muchos otros huérfanos de la época. La mayoría terminaron siendo acogidos por familias de las zonas a las que salvaron de la viruela. La Corona se comprometió a hacerse cargo de ellos hasta los 21 años. En A Coruña tienen una placa dedicada (los primeros 22 niños eran gallegos) y en Tenerife un monolito también les recuerda 4ever.

Gloria eterna para Jenner, Balmis (que siguió viajando y vacunando pese a sufrir de disentería) y sus ayudantes (el Dr. José Salvani murió con las botas puestas), y, sobre todo, para los 22 héroes huérfanos a quienes, esperemos, Nuestro Señor Jesucristo haya perdonado sus pecados terrenales.

Mi particular homenaje musical.

 

jueves, 2 de octubre de 2014

El cinéfilo bien temperado: Cuando pasan las Cigüeñas (o, como dirían los rusos: Летят журавли).

Traemos hoy a nuestro blog una maravillosa película soviética, un clasicazo imprescindible,
Cuando pasan las Cigüeñas,
 dirigida en 1957 por Mijaíl Kalatozov.

Una obra asombrosa y una de mis películas favoritísimas.


Kruschev, con su famoso informe secreto denunciando los crímenes de Stalin en el XX Congreso del Partico Comunista Soviético de 1956, había aliviado la presión del yugo propagandístico estatal. Y Cuando pasan las Cigüeñas es, posiblemente, la primera gran película soviética sobre la WWII que no se dedicó solamente a glorificar al glorioso Ejército Rojo de Stalin, abriendo el camino para posteriores notables trabajos como la sensacional La infancia de Iván (1962), ópera prima del filósofo-cineasta Tarkovski  o la magistral Balada de un Soldado (Gregori Chukhrai, 1959). 

Tres películas que conforman una Trilogía WWII soviética INDISPENSABLE

Cuando pasan las cigüeñas es, en realidad, la historia de amor de dos jóvenes soviéticos, Boris y Veronika, ante cuyos ojos veremos desfilar el sufrimiento de la población civil durante los trágicos años de la terrible contienda europea. La historia se centra en el personaje femenino de Veronika, una mujer desamparada en un país en guerra, o sea, una de las situaciones más trágicas y desoladoras ante las que un ser humano puede encontrarse.

Boris y Veronika son dos jóvenes enamorados cuyos proyectos de vida en común son truncados por las tropas invasoras nazis. Él es un joven trabajador de una fábrica soviética que impetuosa y fervorosamente se alista voluntario en el Ejército Rojo y parte dispuesto a defender a la Madre Rusia de los boches asesinos.

Tras la dolorosa separación de su amado, Veronika pierde a sus padres durante un bombardeo. Afortunadamente es acogida en el hogar de la familia de Boris cuyo hermano Mark se ha librado de ir al frente por sus supuestas y valiosas habilidades artísticas como concertista de piano. Mark está enamorado de Veronika y aprovechará la ausencia de noticias de Boris desde el frente para acercarse, un poquito más, a ella...


No quiero contar nada más de la trama y advierto que aunque este mini planteamiento pueda parecer folletinesco, el tono de  la película no lo es en absoluto.

El lirismo de la obra de Kalazotov dota al inherente y casi inevitable discurso patriótico de una historia de este estilo (donde Patria = Pueblo pero No a Estado) de un toque humanístico que confiere a esta película el aire de gran cine inmortal e intemporal.

Parece que el mérito de la belleza de las imágenes de Cuando pasan las Cigüeñas corresponde casi a partes iguales a su director y al trabajo del director de fotografía Sergei Urusevski. 

Unas imágenes que, renegando del azucarado y alienante estilo del realismo lúdico - stalinista de décadas anteriores, nos devuelve el aroma de las películas rusas mudas de los años 20, una de las épocas más interesantes de la cinematografía mundial.

Una historia de inocencias y esperanzas rotas por la guerra que estilísticamente es un ejemplo de todo lo que se puede hacer con una cámara de cine (o, al menos, lo que se podía hacer con un cámara de 1957).

Otra lección de cine de de imprescindible visionado. 

No se la pierdan.

Les dejo con una de sus escenas más conocidas y celebradas. Una de ésas de filmoteca como dios manda o, como dice, el bendito usuario que la ha subido a youtube, un "travelling espectacular":

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