viernes, 26 de diciembre de 2014

Lo Mejor de 2014 ha sido... (redoble de tambor)...



Temporada 4 (mayo - junio 2014, TV, 14 capítulos)
Protagonizada por el mejor USA - comedian vivo: Louis C.K.

Un ejemplo (de las docenas que podría ponerles):

video

lunes, 22 de diciembre de 2014

Rapt (2009, Lucas Belvaux ). Pobrecitos millonarios...

Atención, pregunta: ¿Si nosotros (los simples mortales) no frecuentamos prostitutas de lujo, timbas de poker, no tenemos picaderos con amante maciza incluida, si no fumamos habanos de metro y medio y etc, es porque somos unos ejemplos de comportamiento ético con patas o porque somos más pobres que las ratas y no nos llega para poco más que para pagar el internet que nos permite ver porno y para algún que otro porro de vez en cuando?. Reflexionen (o no).

El director Lucas Belvaux, trabajó como actor a las órdenes de Claude Chabrol y creo que lo van a notar (para bien) si deciden ver la película que hoy recomendamos: Rapt, la historia de un secuestro.

Bien, no voy a hablar mucho del argumento de Rapt porque, obviamente, el componente thriller de esta, también dramática, película es más intenso cuanto menos se sepa de la trama. El post me va a quedar más pobre porque no voy a poder explayarme sobre muchos e interesantes detalles pero yo, tan noble como siempre, sacrifico mi lucimiento literario personal en favor de la intriga. 

La cosa comienza así: Stanislas Graff es el presidente de una corporación de empresas, con sede en París, que da de comer a más de 100.000 empleados. Un triunfador, hijo de triunfador, con una posición influyente entre las altas esferas de Francia. Pero una mañana, camino del trabajo, Stanislas Graff es secuestrado por una banda profesional de delincuentes marselleses. Le cortan un dedo y se lo mandan a la familia con una carta en la que piden por su rescate la cantidad de 50 M de euros. Hasta aquí es más o menos lo de siempre. Muestras de solidaridad llegan a la familia desde círculos políticos, económicos y sociales. "¡Hay que salvar a Stanislas Graff al precio que sea!. Se pagará lo que haga falta". Sus abnegadas y ejemplares esposa y dos hijas lo quieren de vuelta en el hogar, sano y salvo, cuanto antes.


Es entonces cuando la prensa entra en acción y comienza a desvelar unos cuantos detalles de la vida privada de Graff que resulta no ser un ciudadano tan ejemplar como cabría de esperar en un tipo de su posición (¿en serio?, ¿quién espera que la vida personal de un tío súper rico sea ejemplar?). Mala cosa en unos tiempos como los que vivimos, con esta crisis tan tremenda, ya saben, lo de la mujer del César... "Monsieur Graff, qué vergüenza.., perdiendo miles de euros en timbas de póker.., Monsieur Graff, qué vergüenza.., comprando picaderos para sus amantes...".

Así pues, Stanislas se despertó una mañana siendo un héroe y tuvieron que venir unos delincuentes marselleses a mostrarle que, a lo peor, era un ídolo de barro rodeado de amistades interesadas.

Si buscan una historia con una tensión continua de ritmo elegante que se toma su tiempo para desarrollar la trama, con una banda sonora nada estridente, que es un thriller y un drama, que les ofrece una visión diferente, más realista y detallada, del subgénero de secuestros y rescates, con intriga policial, con la acción justa y necesaria, con una excelente fotografía, sin estrellas principales deslumbrantes de ésas que eclipsan injustamente a unos estupendos secundarios (que son la sal de la historia porque son sus matices), con una ambientación sobresaliente y capaz de mostrarles, sin maniqueísmos, el contraste entre la gélida atmósfera del mundo de apariencias en el que viven las altas esferas de nuestra sociedad versus la apestosa sordidez por la que reptan los delincuentes de los bajos fondos, Rapt es su película.

El final es tremendo. No digo más.


Ah, y en medio de todo esto está el pobrecito Stanislas Graff (el actor Yvan Antal, que está estupendo) por quien su perro siente una profunda devoción; el chucho le quiere tal y como es.

Los hechos reales en los que se basó Lucas Belvaux para escribir el guión de Rapt, pueden encontrarlos en este enlace. No se pierdan esta película. Es muy buena y recuerda, por momentos, el buen hacer de grandes maestros franceses como Chabrol o Melville

domingo, 21 de diciembre de 2014

El Invierno... Vivaldi: Tradición Gusana.

Temblar helado entre las nieves frías 
al severo soplar del hórrido viento, 
correr golpeando el pie cada momento, 
de tal frío trinar dientes y encías. 

Pasar al fuego alegres y apacibles días, 
mientras la lluvia fuera baña a ciento; 
caminar sobre hielo a paso lento 
por temor a caer sin energías. 

Cuidado al andar, resbalar, caer a tierra, 
de nuevo sobre el hielo ir a zancadas 
Oír aullar tras puertas bien cerradas 
Siroco, Bóreas, todo viento en guerra. 

Esto es invierno, pero qué alegría nos produce.

La Lluvia, Largo de El Invierno de Las Cuatro Estaciones (1725) de Antonio Vivaldi.

domingo, 14 de diciembre de 2014

Tusk (2014, Kevin Smith). A Mad Doctor strikes again.

"No quiero morir en Canadá"


Kevin Smith realizó (¡hace ya 20 años!) una maravillosa película de bajo presupuesto titulada Clerks que los que fuimos jóvenes en aquel entonces tuvimos la suerte de disfrutar en todo su y nuestro esplendor. Una cinta de culto instantáneo por méritos propios.

En Clerks se decían frases como ésta: 
"Mi abuela decía:  "¿Qué es mejor? Un buen plato que está lleno.. ¿O no es así? ¿De qué sirve un plato que está vacío?". ¿Que qué significa?,  Yo que sé. Chocheaba, se iba meando por todas partes... y se cagaba..." 
Desde entonces Mr. Smith ha estado casi 20 años dirigiendo chorradas sin salirse de su zona de confort hasta que hace tres años se estrenó Red State que era una película que, sin renunciar al humor marca de la casa, le salió bastante oscura. El problema de Red State es que estaba mal narrada. Así de simple. Yo concluí que a Kevin Smith le pasaba lo mismo que a Alex de la Iglesia: tras parir una obra maestra ya no sabía hacer más cine.
Resulta que acabo de ver Tusk y me encuentro con una película muy bizarra en su argumento pero, al mismo, tiempo con un ejemplo de realización y montaje sobresalientes (por cierto, Kevin Smith es también el montador de la cinta), así que tengo que recomendarles que vean Tusk porque es de un clasicismo cinematográfico estimulante y combina unos cuantos géneros con un resultado equilibradísimo.

No voy a contar nada del argumento de Tusk porque creo que, si quieren verla, deben enfrentarse a ella con el mayor desconocimiento de la trama posible. Solamente apuntaré que es una película de terror-mad doctor en la que la víctima es el monstruo. Es de justicia remarcar que Michael Parks se sale.


Y ahora la anécdota biográfica.

Tusk me recordó al mayor de mis terrores infantiles. Sssssss Silbido de Muerte (1973) un subproducto cuasi televisivo de terror cutre que vista hoy puede dar risa pero que a los siete años me produjo una de las pocas pesadillas de mi vida y, desde luego, la más tremenda de todas. A mí.., que soy inmune al Cine de Terror. Ésta solamente me atrevo a recomendarla a los curiosos y/o a los muy fanáticos del género que perdonan y obvian la crueldad de los estragos que el paso del tiempo causa en el Arte.

Tusk es algo diferente y es lo de siempre (en el buen sentido) al mismo tiempo. Así que ya saben...

Ah, otra cosa, no es santo de mi devoción pero es que Johnny Depp también se sale en su cameo interpretanto al detective canadiense Guy Lapointe.

Como no quiero ponerles el tráiler, les dejo con una canción magnífica que no tiene nada que ver con la película pero, oye, a nadie le amarga un dulce. Sobre todo si sabe a Faith No More, una banda que tiene en común con Tusk el saber combinar, magistralmente, el cachondeo con el tenebrismo. Si no me creen, pulsen play y escuchen, volumen a tope, Stripsearch (1997):

miércoles, 10 de diciembre de 2014

Clásicos Imprescindibles. La Sinfonía n. 6 "Patética" de Chaikovski.

A lo mejor ustedes no conocen esta historia de la Historia que les voy a contar a continuación.

Resulta que Piotr Illich Chaikovski (1840-1893), es decir, uno de los más grandes compositores de todos los tiempos, es decir, uno de los más notables artistas que ha alumbrado la raza humana, murió a causa de un gran "pecado"; ser homosexual.

Éstas son las últimas notas que compuso poco antes de morir:


Una música cuya pasión es capaz de tumbar a un hipopótamo. 

Es el 4º movimiento, Adagio lamentoso, de su Sinfonía n. 6 (1893) que el propio compositor estrenó nueve días antes de su muerte y a la que su hermano sobrenombró como Patética, adjetivo que, según la RAE, se refiere a aquello que "es capaz de mover y agitar el ánimo infundiéndole afectos vehmenetes".

Resulta que yo, pese a no ser fan de las teorías conspiratorias (no porque no haya conspiradores sueltos por el mundo dispuestos a todo, sino porque es muy difícil que las conspiraciones salgan bien), sí soy de los que no me creo la "versión oficial" zaristo-soviética de la muerte de Chaikovski: el gran compositor ruso murió a consecuencia de beber accidentalmente un vaso de agua contaminada de la enfermedad que diezmaba, por aquella época, San Petesburgo, el cólera.

Mejor dicho, el vaso sí que lo bebió, es eso de "accidentalmente" lo que, cada vez más, se pone en duda. Parece ser que se trató de un suicidio (puede que por arsénico si atendemos a los síntomas de enfermedad que describió su hermano Modest) inducido por la "sentencia" a la que condenó un Tribunal de Honor. El castigo era la muerte. Y el delito cometido era, como ya hemos dicho al comienzo de post, la homosexualidad.

Dicen que el conde Stenbock-Fermor redactó una carta al zar  Alejandro III en la que se quejaba de las excesivas atenciones de Piotr Illich hacia su sobrino Nikolái. El encargado de entregar al zar dicha carta resultó ser un antiguo compañero de Chaikovski durante sus años de estudios en la escuela de jurisprudencia. Al enterarse del escabroso asunto que tenía entre manos y temeroso de que al salir a la luz se montara un escándalo, Nikolái Jacobi (que así se llamaba este señorconvocó un tribunal de honor al que Chaikvoski asistió, junto a otros compañeros de promoción, y cuyo resultado fue, tras cinco horas de reunión, el que ya hemos expuesto.

Gracias a la muerte, Chaikovski escapó del escarnio público. Y, a lo peor, gracias a la crueldad de la sociedad de su época nosotros hoy, además de cagarnos en la puta madre que parió a los miembros de esa sociedad, podemos disfrutar de una de las más célebres y celebradas sinfonías de la Historia del Hombre. Uno de los ochomiles de la grandeza del ser humano.

Para aliviar un poco el tono trágico de esta entrada, escuchamos ahora el 2º movimiento, Allegro Con Grazia. Otra deliciosa genialidad chaikovkiana.

jueves, 4 de diciembre de 2014

Estrellando Películas. Opiniones de un Payaso cinéfilo.

Hace tiempo que no valoro películas con el método de las estrellitas. Y la verdad es que me gusta mucho, así que allá voy. 

Sin orden ni concierto, mini opiniones sobre un montón de películas que he visto este año.

***** La Isla Mínima. Vamos a ver.., esta película no se parece a True Detective. Esta película es una película de género que sigue respetuosamente los códigos del género. Unos códigos que actualiza lo mismo que hacía True Detective. No creo que nadie necesite una opinión más sobre el excelente trabajo de Alberto Rodríguez, su director. Es una película impecable a todos los niveles aunque tenga un desliz de casting. Una gozada.

***(*) Fury. No me gusta el título en español. Tampoco soy muy fan del trabajo de su director, David Ayer pero me encuentro con que me he visto toda su filmografía. Fury es una película para los muy fans del género bélico (como es mi caso, por eso le pongo una estrellita extra entre paréntesis) y/o para los muy fans de Brad Pitt, estrella casi omnipresente del film. Se ha trabajado mucho en todo eso de la fidelidad de los detalles de la producción  y de los cachivaches de matar. Por cierto, yo creo que el mérito de la historia está precisamente en el altísimo número de muertos que van a ver desfilar a lo largo del metraje. Pero es que la guerra fue así de hijadeputa. No apta para estómagos sensibles que sufrieron viendo el desembarco de Saving Private Ryan.

*** Hércules. Lleve a mi sobrino al cine a ver esta película. Me lo pasé teta.

*** El Amanecer del Planeta de los Simios. Impresionante realización. Magistral. La historia es un poco tostón a ratos y el casting no está acertado.

*** The Dark Valley. Es un western austriaco que transcurre en los alpes suizos… Yo de ustedes la vería.

** Lucy. Si no te dejas llevar, estás jodido. Yo me dejé.

*** Dos Días, una Noche. Los hermanos Dardenne siguen tan peleones como siempre y ahora denuncian lo que toca: la precariedad del empleo en muchos países europeos. La virtud y el problema de esta película está en el recurso argumental: la reiteración.

* Guardianes de la Galaxia. Una pérdida de tiempo.

* Perdida. Otra pérdida de tiempo. Es un telefilme misógino que dura demasiado.

*** Drácula, la Leyenda jamás contada. Hay algo de lirismo. También necesita que nos dejemos llevar.

*** Caminando entre Tumbas. Es más thriller de lo que aparenta. La encontré bastante oscura.

* Líbranos del Mal. Un bodrio del tamaño de Extremadura. Ridícula.

** Coherence. Ha gustado mucho en los círculos alternativos. Tiene pinta de que el director hará algo mejor en el futuro. Guión lleno de trampas espacio temporales. Algo cansina pero meritoria.

*** El Hombre más buscado. Gran realizador el gran fotógrafo Anton Corbijn. Philip Seymour Hoffman está muy bien pero la historia que se cuenta va languideciendo conforme transcurren los minutos.

*** En el Ojo de la Tormenta. Un guión horroroso y un casting de telefilme barato son engullidos por unos FX impresionantes.

**** Augustine. Para cinéfilos con curiosidad por la Historia y la Ciencia. Estupendísima interpretación la de su protagonista que encarna a una enferma mental de una manera sobresaliente.

*** Housebound. Jejeje, muy entretenida. Humor terrorífico de Nueva Zelanda. Subgénero casas encantadas.

***** El Lobo detrás de la Puerta. Un thriller brasileño con niña secuestrada de por medio. Estupenda realización. Sobresalientes interpretaciones. Original narrativa. Muy buena.

*** Al Filo del Mañana. Que está muy maja, hombre. No me sean tiquismiquis.

**** Cold in July. Original thriller noir. Y sale Don Johnson dando vida a un personaje muy pintoresco.

**** X-Men. Días del Futuro pasado. Puede que sea la mejor de toda la saga.

* Sin City 2. Insoportable.

*** Asesino en el Tiempo. Thriller ficción francesa notable.

*** The Rover. Es muy simple, casi una anécdota. Pero muy oscura y extrañamente distópica. No apta para todos los paladares.

** Sabotage. ¿Ven ustedes?, otra película de David Ayer que también he visto. Sale Chuache. Es muy tontorrona y muy gore.

*** Belle. Espíritu de telefilme. Es una historia edificante, que no es poco.

* Noé. Una vergüenza para la Humanidad.

**** Locke. Virtuosa.

**** Capitán América. El Soldado de Invierno. Magnífica.

* Spiderman 2: El Poder de Electro. ¿Alguien ha conseguido aguantar hasta el final?.

** Under the Skin. Tenía que haber sido un corto. La cosa no daba para más. Original puesta en escena.

**** Enemy. Toda una experiencia. Larga vida a Dennis Villeneuve, maestro del Cine.

**** Ida. Polaca. Tienen que ver cine de éste de vez en cuando. Y nunca hay que dejar de recordar cuántos judíos fueron asesinados en Europa.

** Big Bad Wolves. Diga lo que diga Tarantino, esta película es una chorrada.

**** El Gran Cuaderno. Húngara. Basada en la famosa novela homónima de Agota Kristoff. Una película más fría que el hielo húngaro.

*** 3 Días para matar. La guilty pleasure de la lista.

** Yo, Frankenstein. Delirante.

**** Zulu. Creo que ha pasado injustamente desapercibida. A lo mejor es porque es un thriller francés demasiado gore para las salas y demasiado convencional para las otras salas.

***** Metéora. Otra obra maestra de Spiros Stathoulopoulos, responsable de una de las películas más asombrosas de la Historia del Cine.

*** Maléfica. Mucho mejor de lo que yo prejuiciaba. Me parece una revisión acertadísima. Incluye el mejor cover del año. Siempre es buen momento para escuchar a Chaikovski:

lunes, 24 de noviembre de 2014

Dedicatorias cinéfilas gusanas. Nunca aceptes dulces de un extraño (1960, Cyril Frankel). Para el Arzobispo de Granada.

El arzobispo de Granada ha pedido perdón por los pecados de la Iglesia. No por todos, claro, porque le llevaría una eternidad. Solamente por el enésimo caso de abusos sexuales a menores perpetrados y encubiertos por la Iglesia Católica (no tengo ganas de mirar estadísticas, que me pongo malo). Dice que a Cristo le duelen estas cosas. Pero el caso es que ni siquiera estamos seguros de que a Cristo le dolieran sus clavos porque su existencia no está demostrada (la de Cristo, la de los clavos sí). Lo que parece más probable es que a las víctimas de los abusadores sí les duelan muchas otras cosas.

El caso es que hoy vengo a recomendarle al arzobispo una película cuya moraleja debería aplicarse pero a futuro, que ya cansa lo de pedir perdón con carácter retroactivo, sobre todo si no lo haces de corazón sino obligado por tu jefe, que es un jipi (Francisco).


Le voy a recomendar una producción de la Hammer de 1960 dirigida por un artesano y asalariado de la casa: Cyril Frankel. Puede que alguien lo recuerde por su película más conocida: Las Brujas (1966). 

A mí me gusta más esta que traemos hoy: 
Nunca aceptes dulces de un extraño
uno de los títulos más descriptivo de la Historia del Séptimo Arte.

Nunca aceptes dulces de un extraño tiene un poco de serie B, de drama, de thriller, de película de juicios, de denuncia de la lacra de la pederastia y de crítica social hacia el encubrimiento de estas aberraciones por parte de algunos poderosos que prefieren correr un tupido velo sobre este escabroso asunto. Pese a ser una producción Hammer, se aleja del tono general que solemos asociar a las producciones de la mitificada productora británica aunque no se libre de ese ingrediente de gancho morboso habitual en los productos Hammer (pero es muy poquito y justificado). También se aleja de la paleta de tonos coloristas Hammer al ser un thriller en glorioso byn.

Voy a resumir la trama. A una pequeña localidad de Canadá llega un nuevo director de instituto con su mujer y su hija de 9 años. Nuestro protagonista acaba de cumplir el sueño laboral de su vida. Tras la fiesta de bienvenida por parte de lo más representativo de la comunidad, el matrimonio de forasteros llegan a su nuevo hogar para encontrarse con un acontecimiento que les hará bajarse de la nube en la que flotaban. Su hija les cuenta que esa misma tarde ha estado con una amiguita bailando desnuda en casa de un anciano que, a cambio de semejante entretenimiento, les ha regalado unos caramelos. 

El anciano en cuestión resulta ser Mr. Olderberry, patriarca de la más prestigiosa familia del pueblo…

Creo que no hace falta que cuente nada más. Espero haberles contagiado las ganas de videar esta película que, además, es muy cortita y que yo creo que les sorprenderá muy gratamente pues son muchas las virtudes que la adornan pese a su modestia y al encorsetamiento formal y limitación actoral y etcéteras habituales a los que cualquier producción modesta se ve condenada (amén de la teatralidad que heredan muchas películas basadas en obras de teatro, como es el caso).

No se pierdan Nunca aceptes dulces de un extraño que, como buena serie B, viene con moraleja y es una joyita de ésas que los blogueros más cool calificamos de “a reivindicar” o “ a descubrir” o etc .

Una película y una moraleja que hoy dedicamos al Arzobispo de Granada.

domingo, 23 de noviembre de 2014

Clásicos Imprecindibles. La sinfonía n.7 "Leningrado" (1942) de Dimitri Shostakovich

Play.

"Con un sentimiento de admiración y orgullo observé los hechos heróicos del pueblo de Leningrado... Todavía tengo que escribir el final de la sinfonía. Podría describirlo con una sola palabra "VICTORIA". Nunca he dedicado ninguna de mis obras, pero esta sinfonía pretendo dedicarla a Leningrado. Cada una de sus notas, todo lo que he puesto en ella, está ligado a mi ciudad natal y a estos históricas días de su defensa."


Ya hemos comentado alguna vez que lo único con lo que podemos consolarnos tras la terrible Segunda Guerra Mundial es con la esperanza de que nunca se repita nada parecido y con las múltiples obras de Arte que durante o después de la contienda se crearon y se siguen creando relacionadas con esta masacre que se llevó por delante a 60 millones de personas. En Música Clásica incluso se creó un nuevo género musical: la sinfonía de guerra.

Quién sino Shostakovich podía haber creado la mejor de ellas, la Sinfonía n.7 "Leningrado", compuesta por el músico ruso en su ciudad durante el sitio alemán que duró casi tres años y durante el que perecieron más de 1.000.000 de civiles y medio millón más de soldados soviéticos machacados sin piedad por el incesante bombardeo de la Wehrmacht,

Un asedio que es un ejemplo (malo) de "alianza de civilizaciones" (civilizaciones muy cabronas en este caso): junto a los nazis combatieron los fineses que querían recuperar los territorios perdidos tras la Guerra de Invierno con la URSS. Y también... ¡¡¡TACHÁN TACHÁN!!!... ¡los españoles!, toma ya.

Los voluntarios falangistas de la División Azul integrados en el XVI Ejército Alemán como la 250ª División de Infantería, lucharon contra el Ejército Rojo durante la operación "Estrella Polar". Más de 2000 compatriotas murieron allí.

Pese a estar ideológicamente situada en las antípodas de mis convicciones, parece ser que debemos reconocer que..."La División Azul fue una de las formaciones más y mejor cualificadas desde el punto de vista intelectual que haya actuado en una guerra. Hitler quedó impresionado por su resistencia en el combate" (Antony Beevor).


La Sinfonía "Leningrado" fue un éxito inmediato. Sus diferentes estrenos se cuentan por anécdotas. En Leningrado, por ejemplo, solamente quedaban 15 maestros de la sinfónica de la ciudad y se licenciaron provisionalmente a músicos que combatían en el frente para completar la formación. En Londres, asistieron más de 60.000 personas. Y un avión voló sobre Europa con la partitura microfilmada para que Arturo Toscanini (antifascista furibundo) pudiera estrenarla en Nueva York.

La sinfonía se divide en cuatro movimientos de los cuales el primero, Allegretto, el más extenso, es probablemente una de las páginas musicales que más se identifican con la "música de guerra" al evocar Shostakovich, con sus notas y en un continuo crescendo, el implacable avance de las tropas alemanas y su inminente llegada a la ciudad que los zares llamaron San Petersburgo.

Hasta 12 veces se repite la marcha dando lugar a uno de los pasajes más famosos de la música del genio ruso. Aquí tienen el pasaje de la invasión; la "marcha" nazi comienza en el minuto seis aproximadamente.

Disfruten ahora del Adagio de esta maravillosa sinfonía a la que a veces se tacha de sobrevalorada y que el mismo Béla Bartók encontraba algo absurda.

Pero a nosotros nos encanta la música del camarada y héroe del pueblo 
Dmitri Shostakovich.
Si les ha gustado el comienzo del Adagio que encabeza el post, aquí lo tienen enterito:

domingo, 16 de noviembre de 2014

Pregúntale a Johannes: ¿Quién inventó los Canelones Rossini?

Juan A. R., un asiduo lector de nuestro blog nos envía la siguiente consulta desde Ifigenia en Aulide, su localidad natal:

"Estimado Johannes, ¿es cierto que Gioacchino Rossini inventó los Canelones Rossini?" 

Veamos qué contesta nuestro amigo Johannes:

"Sí, es cierto". 

Esto no me lo esperaba....

En Fin... Voy a rellenar un poco el post que ha quedado algo raquítico.

Gioacchino Rossini (1792-1868) es el rey del bel canto o sea, el rey de hacer cantar a los personajes de sus óperas de manera alegre, jovial, fresca y llena de gorgoritos, trinos y demás  adornos  propios de la opera buffa.


Luego llegaron Wagner y Verdi y dijeron que no, que todo tenía que sonar más serio y más dramático y pusieron a todo el mundo a cantar spinto

Ya dijimos el día que escribimos sobre el Réquiem de Verdi que Rossini era uno de nuestros compositores favoritos, predilección en la que pesa mucho el que a los 37 años compusiera Guillermo Tell, cambiando de estilo justo en el momento en el que todo el mundo le imitaba.

Final de la Obertura de Guillermo Tell (1829).
Himno oficioso de cualquier carga de caballería.


 Y esa fue su última ópera. 

Hagan cuentas y se darán cuenta (toma chascarrillo) de que Rossini que vivió 40 años más tras su "jubilación" musical... Una de las teorías que encontramos para explicar este sorprendente hecho dice que el compositor estaba ya tan forrado y era tan unánimemente admirado que dedicó el resto de sus días a cosas más importantes que la música clásica: comer bien, beber bien y vivir mejor (murió en París).

El caso es que viendo la cara de este compositor se nota a la legua que tuvo que ser un tipo campechano y un buen compañero de mesa. Es decir: Héroe Gusano.

 Obertura de Semiramis (1823).
Impresionante.

 

domingo, 9 de noviembre de 2014

Mis Canciones Favoritas. The Female of the Species (1996, Space).

Cuando el campesino en el Himalaya se encuentra al oso,
Grita para asustar a dicho monstruo, el cual a menudo se hace a un lado.
Pero la osa al ser abordada, se enfrenta con uñas y dientes
Pues la hembra de las especies es mas mortífera que el macho.

Así comienza The Female of the Species, poema de Rudyard Kipling de 1911.

Y homenajeando al célebre escritor británico, el grupo inglés Space incluyó en su imprescindible disco Spiders (1996) una de mis canciones favoritas: 
The Female of the Species.

Space = britpop + hiphop + humor -  pose. 
Qué más se podía pedir para combatir el tostón grunge.

jueves, 6 de noviembre de 2014

Grandes Frases de la Historia. Emma Goldman.

"Si no puedo bailar, no quiero estar en su revolución".








Respuesta de Emma Goldman (1869 - 1940, judía, lituana, libertaria, feminista, antibolchevique y, sobre todo, persona) a uno de sus estúpidos "camaradas" revolucionarios que le recriminó su comportamiento por culpa de unos movimientos de baile que, a sus ojos de fanático, eran indignos de la Causa.

Su biografía es muy interesante.

Vamos a ver este documental de 2003 sobre la vida de la que fue enemigo público de los USA durante 3 décadas.

sábado, 1 de noviembre de 2014

Pequeñas Joyas del Cine Contemporáneo. We Are The Best! (2013, Lukas Moodysson).

Venga, que voy con una de mis locas teorías vitales. 


Desde hace mucho tiempo vengo defendiendo que todo aquel que no ha participado en alguna comunión espiritual con un grupo de amigos y no ha llegado a una conclusión del estilo "¡Somos los Mejores!", no ha vivido la adolescencia. Me vale aunque el grito haya sido emitido una sola vez y acepto el agravante (o atenuante) de que sucediera en algún clímax etilíco - efervescente.

Estoy convencido de que en esta carencia se encuentra el origen de muchos comportamientos inmorales e ilegales de todos los ladrones cincuentones que han saqueado nuestro país. Hasta que no han tenido en sus manos una Tarjeta Negra no han gritado (en su caso, aullado): "¡Somos los Mejores!". Estos latrocinios que estamos sufriendo son el reverso tenebroso de los estallidos de rebeldía que todo ser humano necesita para sentirse vivo.

Para canalizar la rebeldía bien entendida se inventó el rock and roll y para amateurizar el rocanrol, o sea, para hacer su ejecución asequible a cualquiera, con o sin dotes musicales, con o sin dotes literarias, con o sin dotes estéticas, se inventó el punk que vivió su gloria en la década de los 70s y que murió cuando llegó la música disco lo mismo que el cine de autor norteamericano murió cuando llegó La Guerra de las Galaxias y el insoportable C-3PO mató a The Ramones.

Para componer una canción punk se necesitan nada más (y nada menos) que dos acordes y una letra como ésta:

Odio la gimnasia, Odio la gimnasia, Odio la gimnasia. 
Las personas mueren y matan 
pero a ti sólo te importa el salto de altura. 
Los niños están muriendo en África 
pero a ti sólo te importan las pelotas en el aire...


¡Somos lo Mejor! es, hasta el momento, la mejor película que he visto en este 2014. Tiene un argumento aparentemente sencillo pero tan inteligente como lo tenía la ópera prima (Fucking Amal, 1998) de su director, el sueco Lukas Moodysson, al que todos conocemos por crear la estupenda Lilya forever (2002) y por perpetrar la insoportable Mamut (2009).

Estocolmo 1982. Tres jovencitas de 13 años encuentran en el hito vital de formar un grupo de música punk la válvula de escape con la que liberar la presión a la que se ven condenadas por el delito de ser los bichos raros del colegio. Como ustedes ya se habrán imaginado, son tres rebeldes sin causa, así que se inventan una en forma de canción protesta cuya primera estrofa les he presentado un poco más arriba.

La gran baza de la película reside, sobre todo, en las asombrosas interpretaciones de sus tres jóvenes protagonistas que, en combinación con la realización de Moodysson, confieren a la película una naturalidad que alcanza un nivel sobresaliente.

No se pierdan ¡Somos lo Mejor!. 
Y si todavía no lo han gritado.., háganselo mirar.

Con todos ustedes... 

Les iba a poner a MC5 para hacerme el guay, pero qué narices, escarbar en los orígenes del punk no tiene nada de punk attitude, así que, repito, con todos ustedes:  

Sus Majestades The Ramones. 

domingo, 26 de octubre de 2014

Boccherini y el Cine. Toma Fandango.

Haga lo que haga Woody Allen en el cine, ver una de sus películas nunca supone una pérdida de tiempo. Aunque Conocerás al Hombre de tus Sueños (2010) se quedara en la segunda división de su filmografía, Allen, como siempre, nos regaló unos cuantos momentos memorables y una selección musical digna de ser revisada. Hoy traemos el toque clásico que suele acompañar los últimos trabajos del maestro. 

En este entrega alleniana, el personaje que encarna la actriz Freida Pinto tiene leit motiv propio:

el Fandango de Boccherini. 


Luigi Boccherini (1743 - 1805) fue uno de los primeros compositores clásicos que se asomaron por este blog y a quien hoy volvemos a traer para que nuestros lectores disfruten con su colorista y folclórico Fandango del Quintento n. 2 para Guitarra y cuarteto de cuerda (1788), una de sus tres obras más populares junto a...

... la ya reseñada Música Nocturna de las Calles de Madrid que sonaba en la magistral Master and Commander (2003, Peter Weir)...

 

... y al célebre Minueto que popularizó en 1955 la película El Quinteto de la Muerte (Alexander Mackendrik).


Boccherini ha resultado ser pues, dos siglos después de su muerte, un compositor muy de cine.

Boccherini fue enterrado en una fosa común... pero, afortunadamente, en 1929 su ciudad natal, Lucca, trasladó sus restos al panteón de hijos ilustres y le dedicó la siguiente inscripción: "Luigi Boccherini: tuvo conciencia de su dignidad y fue pura alma de artista. Abrió una era nueva a la música instrumental de cámara. Honró a Italia fuera de Italia". 

Y nosotros hoy honramos al que es probablemente nuestro compositor favorito del empalagoso y camerísitico período clasicista, rococó, cortesano y todo eso (1750 - 1820).

¡Toma Fandango! (Parental Advisory: Suenan Castañuelas).

 

domingo, 19 de octubre de 2014

The Salvation (2014, Kristian Levring). Un estupendo Frikadeller Western.

Fueron buenos tiempos ésos en lo que John Ford inventó el Western (La Diligencia, 1939), Fred Zinemman lo narró en tiempo real (Solo ante el Peligro, 1952),  George Stevens lo fotografió con la mejor noche americana de su historia (Shane, 1953), Sergio Leone lo hiper fotografíó (revolucionando, de paso, la  Historia del Cine más que toda la noveulle vague junta) hasta que Sam Peckinpah enterró la mítica del género con su magistral Grupo Salvaje (1969). 

Terminaron los 60 y terminó el western que durante el casi medio sigo que ha pasado desde entonces ha vivido de crepúsculos, antropologías, revisionismos, ocasos, homenajes y ninguna reinvención. ¿RIP?.


Pues no, porque el western es la historia de la civilización contra la barbarie y, mientras haya barbarie (que parece que hay cuerda para rato), tendremos western aunque sea en las dosis mínimas necesarias para la supervivencia cinéfila.

Para los yonkis del género traemos hoy a nuestro blog un western danés.

En serio.

Un western danés.

Y resulta que es un buen western.



The Salvation es una historia de Venganza que en el Oeste es sinónimo de Justicia, o sea, de civilización, o sea de exterminio de las bestias aunque tenga que ser a tiros. Es la historia de un inmigrante danés que huye de una guerra europea (Dinamarca vs. Alemania, 1850) y que busca una nueva vida en los USA, tierra de  oportunidades.

Tras siete años de duro trabajo en compañía de su hermano (otro veterano de guerra como él), Jon (Mads Mikkelsen) alcanza a sublimar sus sueños de pionero: consigue traer consigo a su esposa y su hijo pequeño. Durante el primer viaje en diligencia la tragedia golpea a la familia con crueldad... Comienza una espiral de venganzas y, cómo no, de violencia a golpe de Colt y Winchester. 

Nada más. 

Y nada menos.

No se pierdan The Salvation porque cuenta con una ambientación sobresaliente, una fotografía asombrosa y una sobriedad narrativa ante la que me quito el sombrero. Un peliculón para los fans del western como yo.

Y, of course, una banda sonora como dios manda (con leit motiv homenaje a Ennio Morricone).

lunes, 13 de octubre de 2014

The Homesman (2014, Tommy Lee Jones). Un western feminista.

La gran ecuación de la Humanidad es ésta: C = A + P. 

O sea, Civilizacion = Asfalto + Policía. El asfalto sirve para protegernos de los animales y la policía para protegernos de los animales antropomorfos. Sin asfalto ni policía nos encontramos a merced de los elementos, o sea, en medio del caos. Y eso si tienes la suerte de ser hombre porque si naces hembra tienes que combatir otra amenaza tremenda: el hombre.


Pues de esto va The Homesman porque es, todos en pie, un western feminista. Dos conceptos maravillosos que unidos consiguen, en el caso de las película que recomendamos hoy, un western sobresaliente.

Mary Bee (Hilary Swank) es una solterona treintañera que vive en medio de Nebraska en 1855 que es como decir que vive en medio de la nada. Mary está soltera porque dicen que es una mandona pero Mary es, ni más ni menos, una mujer que, sencillamente, se viste por los pies y quiere mantener su dignidad a salvo de embestidas machistas. Su carácter es su mejor defensa aunque la condena a la soltería (un crimen imperdonable en esa época).

Algunas de sus vecinas no han sido tan afortunadas como ella.

Su comunidad se enfrenta a un problema. Tres mujeres han enloquecido a consecuencia de las durísimas condiciones que los pioneros de la conquista del Oeste tuvieron que soportar. Estamos hablando de sangre, sudor y lágrimas. Sus maridos no pueden atenderlas y la iglesia metodista les consigue un asilo en su congregación de Iowa. Pero el problema que se plantea es ¿quién va a llevarlas hasta Iowa?. Es un camino largo, difícil y lleno de peligros. Los maridos no pueden abandonar sus granjas. Mary Bee Cuddy se ofrecerá voluntaria para tan difícil misión. O, más bien, una misión imposible hasta que el destino cruza en su camino a un viejo truhán: George Briggs (Tommy Lee Jones), personificación del pragmatismo absoluto. O, al menos, así comienza su relación con Mary.

Y así comienza, también, la parte de la road movie.


Tommy Lee Jones apuesta por un tono realista, dentro de los cánones clásicos cinematográficos, por lo que les advertimos que las escenas descarnadas están aseguradas (la escena en la que tiran a un recién nacido al retrete es breve pero intensísima). Pero la gran baza de la película es, según mi sensibilidad, el emotivo homenaje del director a los cojonazos de todas esas mujeres sin cuya contribución la conquista del Oeste hubiera sido imposible.

Homenaje al que me uno desde esta mi recomendación para que no se pierdan The Homesman y disfruten de unos fuertes personajes principales rodeados de unos estupendos secundarios de lujo. Una amarga historia con intento de redención fallido y final nihilista.

Advertidos quedan.

Estupenda banda sonora.

 

jueves, 9 de octubre de 2014

10 Años de... La Boda de Mr. Lombreeze.

- Homer, ¿sabes por qué me casé contigo?.

- Porque te preñé.

- No. Porque te quiero.



Dedicado a mi esposa. 
Súper temazo de El Rey. 

She Wears My Ring, 
cover de la inmortal La Golondrina (1862, Narciso Serradell)


lunes, 6 de octubre de 2014

200 Años de... La primera expedición internacional sanitaria. Y fue española.

Vacuna viene de vaca.

No se rían que es verdad.

Tuvo que ser un médico rural, cómo no, el que hiciera caso de la sabiduría popular y no tomase por locos a aquellos pueblerinos que juraban que ellos no podían contagiarse de la viruela humana porque ya habían pasado la viruela vacuna, la que le habían contagiado sus animales de granja (mucho menos virulenta). El prohombre al que nos estamos refiriendo se llamaba Dr. Edward Jenner, padre de la inmunología y, sin lugar a dudas, el ser humano que más vidas ha salvado en los 10.000 años que llevamos de civilización. Esto es así.

A la sombra de tan frondoso árbol de sabiduría crecieron otros muchos grandes doctores de entre los que hoy queremos destacar a nuestro compatriota el doctor alicantino Francisco Javier Balmis y Berenguer (1753-1819), un médico militar que impulsó la increíble hazaña que vamos a resumir ahora.

Como ya se pueden imaginar, cuando Jenner publicó sus ideas sobre la vacunación que, básicamente, consistían en la propuesta de infectar a los humanos con la viruela vacuna para inmunizarles de la viruela humana, el bloque reaccionario de turno calificó el método de “anticristiano” pese a que no tenemos constancia de que los inventores del cristianismo supieran casi nada de nada que tuviera que ver con la vida terrenal. 


Supongo que esta obra de Dios les parecería más piadosa.


Pero ya hemos contado, mil y una veces, que en este planeta no se quiere morir ni el tato (fanáticos aparte) y la contundencia de la eficacia de los métodos de Jenner llevaron a su universalización en pocos años.

En 1800 la vacuna llegó a España, solamente 2 años después de que Jenner publicara sus estudios. Y solamente 3 años después, el rey Carlos IV (uno de sus hijos había muerto por causa de la viruela) autorizó la propuesta del Dr. Balmis: vacunar a los habitantes de los dominios de ultramar. Casi nada.

Para ello se desarrolló un plan de vacunación que hoy puede parecer estrambótico pero que, a la postre, supuso la salvación de miles de vidas. El plan era el siguiente. Una expedición recorrería las posesiones españolas, desde Texas a Chile, desde Acapulco a Filipinas, con 22 vacunas.

¿Cómo se podía vacunar a miles de personas con solamente 22 vacunas?. Muy “sencillo”: con 22 vacunas humanas. 22 niños huérfanos fueron inoculados con el virus de la viruela de vaca y viajaron, a lo largo de varias expediciones, durante 11 años “contagiando” y supurando pus para las reservas de todos los hospitales de las antiguas colonias.

El propio Jenner, al enterarse de la noticia, comentó al respecto: “No puedo imaginar que en los anales de la Historia se proporcione un ejemplo de filantropía más noble y más amplio que este”.

Epílogo añadido el 07/10: La cosa no fue ni mucho menos tan cruel como pueda parecer a nuestros ojos de burgueses del Primer Mundo del desarrollado siglo XXI. A los 22 niños iniciales se les unieron posteriormente otros 80. Un niño solamente podía ser inoculado dos veces. Se inoculaban dos niños por semana. Su destino fue mucho mejor que el de muchos otros huérfanos de la época. La mayoría terminaron siendo acogidos por familias de las zonas a las que salvaron de la viruela. La Corona se comprometió a hacerse cargo de ellos hasta los 21 años. En A Coruña tienen una placa dedicada (los primeros 22 niños eran gallegos) y en Tenerife un monolito también les recuerda 4ever.

Gloria eterna para Jenner, Balmis (que siguió viajando y vacunando pese a sufrir de disentería) y sus ayudantes (el Dr. José Salvani murió con las botas puestas), y, sobre todo, para los 22 héroes huérfanos a quienes, esperemos, Nuestro Señor Jesucristo haya perdonado sus pecados terrenales.

Mi particular homenaje musical.

 

jueves, 2 de octubre de 2014

El cinéfilo bien temperado: Cuando pasan las Cigüeñas (o, como dirían los rusos: Летят журавли).

Traemos hoy a nuestro blog una maravillosa película soviética, un clasicazo imprescindible,
Cuando pasan las Cigüeñas,
 dirigida en 1957 por Mijaíl Kalatozov.

Una obra asombrosa y una de mis películas favoritísimas.


Kruschev, con su famoso informe secreto denunciando los crímenes de Stalin en el XX Congreso del Partico Comunista Soviético de 1956, había aliviado la presión del yugo propagandístico estatal. Y Cuando pasan las Cigüeñas es, posiblemente, la primera gran película soviética sobre la WWII que no se dedicó solamente a glorificar al glorioso Ejército Rojo de Stalin, abriendo el camino para posteriores notables trabajos como la sensacional La infancia de Iván (1962), ópera prima del filósofo-cineasta Tarkovski  o la magistral Balada de un Soldado (Gregori Chukhrai, 1959). 

Tres películas que conforman una Trilogía WWII soviética INDISPENSABLE

Cuando pasan las cigüeñas es, en realidad, la historia de amor de dos jóvenes soviéticos, Boris y Veronika, ante cuyos ojos veremos desfilar el sufrimiento de la población civil durante los trágicos años de la terrible contienda europea. La historia se centra en el personaje femenino de Veronika, una mujer desamparada en un país en guerra, o sea, una de las situaciones más trágicas y desoladoras ante las que un ser humano puede encontrarse.

Boris y Veronika son dos jóvenes enamorados cuyos proyectos de vida en común son truncados por las tropas invasoras nazis. Él es un joven trabajador de una fábrica soviética que impetuosa y fervorosamente se alista voluntario en el Ejército Rojo y parte dispuesto a defender a la Madre Rusia de los boches asesinos.

Tras la dolorosa separación de su amado, Veronika pierde a sus padres durante un bombardeo. Afortunadamente es acogida en el hogar de la familia de Boris cuyo hermano Mark se ha librado de ir al frente por sus supuestas y valiosas habilidades artísticas como concertista de piano. Mark está enamorado de Veronika y aprovechará la ausencia de noticias de Boris desde el frente para acercarse, un poquito más, a ella...


No quiero contar nada más de la trama y advierto que aunque este mini planteamiento pueda parecer folletinesco, el tono de  la película no lo es en absoluto.

El lirismo de la obra de Kalazotov dota al inherente y casi inevitable discurso patriótico de una historia de este estilo (donde Patria = Pueblo pero No a Estado) de un toque humanístico que confiere a esta película el aire de gran cine inmortal e intemporal.

Parece que el mérito de la belleza de las imágenes de Cuando pasan las Cigüeñas corresponde casi a partes iguales a su director y al trabajo del director de fotografía Sergei Urusevski. 

Unas imágenes que, renegando del azucarado y alienante estilo del realismo lúdico - stalinista de décadas anteriores, nos devuelve el aroma de las películas rusas mudas de los años 20, una de las épocas más interesantes de la cinematografía mundial.

Una historia de inocencias y esperanzas rotas por la guerra que estilísticamente es un ejemplo de todo lo que se puede hacer con una cámara de cine (o, al menos, lo que se podía hacer con un cámara de 1957).

Otra lección de cine de de imprescindible visionado. 

No se la pierdan.

Les dejo con una de sus escenas más conocidas y celebradas. Una de ésas de filmoteca como dios manda o, como dice, el bendito usuario que la ha subido a youtube, un "travelling espectacular":

sábado, 27 de septiembre de 2014

Frases de Música. Richard Strauss vs. el Nacionalsocialismo alemán.

"¿Cree usted que yo me conduzco en todos mis actos pensando que soy “alemán”? ¿Cree usted que Mozart era consciente de ser “ario” cuando componía? Sólo conozco dos tipos de personas: las que tienen talento y las que no lo tienen".


Seguimos celebrando durante este año el 150 aniversario del nacimiento de uno de los más grandes genios de la música occidental del pasado siglo: Richard Strauss (1864 - 1949), creador de varias cimas de la música clásica y uno de mis compositores favoritos.


Strauss no era nazi ni antisemita aunque colaboraba con el gobierno alemán (muchas veces, a su pesar). Su acreditado prestigio en vida le permitió escribir insolencias del calibre de las frases que encabezan este post dirigidas al, ni más ni menos, grandísimo hijodeputa de Joseph Goebbels quien se las tragaba sabedor de que el autor de tales palabras, que hubieran conducido a cualquier otro a un destino siniestro, era también el autor de Salomé (1905) y El Caballero de la Rosa (1911) -dos óperas magistrales- y el más grande compositor alemán vivo.

Todavía se la jugó más cuando la Gestapo interceptó una carta suya dirigida a su amigo el gran escritor judío Stefan Zweig en la que decía que "su trabajo como presidente del Consejo de Música del Reich era solamente una actuación". Después de esto, tuvo que renunciar a su cargo, varios de sus estrenos previstos fueron cancelados y, para evitar males mayores, decidió enviar una carta personal a Hitler para la que nunca recibió respuesta.

El flirteo de Strauss con el régimen nazi parece tener su origen en el hecho de que su nuera y, por tanto, sus nietos eran judíos según las racistas leyes alemanas. Strauss pensaba que su prestigio artístico era el mejor escudo protector que podía ofrecer a su familia. De hecho, se cuenta que se plantó a las puertas del campo de concentración de Theresienstadt y le dijo a los soldados de la puerta: "Yo soy Richard Strauss". Su inocencia le hizo creer que esas cuatro palabras bastarían para liberar a la madre de su nuera.

No fue así.

Sepan ustedes que Richard Strauss aprobó el examen final de las autoridades americanas que, tras la guerra, lo absolvieron de cualquier acusación de filonazi.

Es por ello que los Gusanos, todavía hoy, bailamos sus valses.

Bueno, también porque son MARAVILLOSOS
Volumen al máximo (8 minutos).

martes, 23 de septiembre de 2014

Adiós a... Alberto Ruíz-Gallardón Jiménez. El Último Gran Héroe de la Reserva Espiritual de Occidente.

Gallardón se quitó la careta de liberal progre, la de tío enrollado de portada del Zero, la de majorette de la cabalgata del Orgullo Gay y mostró su verdadero rostro de beato cuando le metió mano al aborto. Qué pena. Y es que no es lo mismo tener las responsabilidades pueblerinas de un alcalde que llevar las riendas de los grandes asuntos, los asuntos de Estado.

Y mucho menos de los Más Grandes Asuntos: los asuntos de los Derechos de los Ciudadanos.

La derecha social a veces se autoconvence de que no es tan carca como parece por lo que intenta cambiar su eterno discurso de prohibiciones y restricciones. Así que Gallardón se sacó de la manga lo de "el derecho a la maternidad de las mujeres", un derecho que, por cierto y según su Iglesia Católica, fue sustituido por castigo hace unos 6.000 años ("parirás a tus hijos con dolor", Génesis, 3:16). ¡Pero él nos lo vendió como un logro social por el que había luchar!.

Gallardón se puso el delantal de matrona para perseguir a todos "los malos" que no dejaban ser madres a las mujeres. Lo que NO dijo es quiénes eran los malos: ¿los hombres irresponsables?, ¿los empresarios?, ¿los abortistas?, ¿los padres que las visten como putas?, ¿la sociedad laica?, ¿el capitalismo?, ¿los sodomitas?, ¿el lobby de fabricantes de anticonceptivos?, ¿las chicas webcam que favorecen el onanismo en detrimento del misionero?, ¿las descargas ilegales?. Y no lo decía para no exponer el verdadero color de las plumas de su plumero.

Voy a recordarle a Gallardón dos cosas:

1.- Los abortistas no somos partidarios de que las mujeres aborten, solamente de que aborten si quieren.

2.- Hace muchos años que, con y sin Ley de aborto, con y sin plazos de aborto, muchas madres llevan renunciando a su maternidad (y hombres a su paternidad) porque con sus sueldos no llegan para dar de comer a más de un churumbel. 



Intermedio: Clases de Historia Gusana. Breve Historia del Aborto.

Las mujeres comenzaron a abortar para que en el pueblo no las llamaran putas. Eran los curas y las monjas de Gallardón (dice que es católico) los que las llamaban putas si parían solteras. Y eso le quitaba las ganas incluso a la más valiente de las mamis. Pero siempre ha habido y habrá mujeres valientes, y es por ello que unas cuantas putas decidieron parir solteras. Eran de izquierdas.

Hoy día, los curas y las monjas llaman putas a las mujeres pero no por parir sino por todo lo contrario porque les ha dicho Dios que una madre soltera es menos puta que una madre abortista, ¡una madre soltera ahora es una señorita de derechas como Dios manda!. Hay que ver cómo se moderniza la Iglesia... No se enteran de que las mujeres abortan porque les sale de los ovarios. Y eso, pese a quien pese, es una conquista social y un hito en la carrera hacia la igualdad entre hombres y mujeres.

Fin

Gallardón dijo que "ninguna mujer debería verse obligada a renunciar a la maternidad por un conflicto familiar, laboral o social" y que "van a estar más cerca de las mujeres más vulnerables". Me recuerda a lo que decía su Iglesia cuando proclamaba que ninguna mujer "debería verse obligada a renunciar" al sagrado sacramento del matrimonio por un conflicto familiar, laboral o social y prohibía el divorcio mientras aconsejaba a las mujeres saber encajar con elegancia las hostias del marido.

Gallardón ha hecho el ridículo con su Evangelio del Aborto según San Alberto porque siempre se hace el ridículo cuando se intenta intelectualizar o racionalizar las supersticiones de tus ancestros. Si quiere acercarse a la mujeres más vulnerables que empiece por fijarse en las 350.000 mujeres que mueren todos los años en el mundo intentando parir en condiciones miserables. A esas desdichadas mujeres nadie les pregunta si prefieren preñarse o conocer París. Afortunadamente, las "nuestras" ya pueden elegir. 

Católicos, por favor, no toquéis las narices más, que ya es bastate duro, para hombres y mujeres, renunciar a tantas y tantas cosas por tantos y tantos conflictos familiares, laborales y sociales con los que tenemos que lidiar todos los días. Qué menos que nos dejen renunciar a lo que nos salga de los hu**os.

Así es la derecha tradicionalista, tan hipócrita como siempre: ten muchos hijos, no te separes de tu pareja bajo ningún concepto, fíjate en lo bien que llevan los chinos lo de su esclavitud (qué productivos que son, qué competitivos y cuánto podemos aprender de ellos), no te llenes la boca con tantos "derechos" que te vas a atragantar, ¡la familia es lo más importante!... pero oye, si hay que ir a trabajar a Pernambuco pues te vas y que le den por el culo a tu familia que ya lq verás en Navidades... Lo de siempre: mantener a la masa controlada y en perfecto estado de reproducción.

¿Qué co**nes tiene que ver la promoción de la natalidad con el derecho al aborto libre y gratuito?. Llena España de guarderías públicas y machaca a los empresarios que discriminan a las embarazadas y ya verás cómo pronto volverás a ver el cielo lleno de cigüeñas.

Dicho esto, solamente me queda una cosa que añadir para Gallardón: Hasta la vista, baby!.

Retírate a Yuste, como nuestro Carlos I - V.

El Otoño comienza... ¡ahora!. La Nana de Andrzej Panufnik.

IMPRESIONANTE esta maravillosa nana del gran compositor polaco 
Andrzej Panufnik (1914-1991).

Feliz Otoño.

 

jueves, 18 de septiembre de 2014

The Knick (TV 2014, Steven Soderbergh). Los Hombres, esos animales que hemos llegado tan lejos...

"Pasamos nuestras vidas arremetiendo contra molinos de viento… No podemos conquistar las montañas pero nuestros ferrocarriles viajan a través de ellas con facilidad. No podemos vencer al río pero podemos doblarlo a nuestro antojo y poner diques para nuestros propósitos. Al final los tuneles se derrumbarán y los diques serán rebasados. Los corazones de nuestros pacientes se pararán...

Pero nosotros los humanos podemos dar unos cuantos buenos golpes durante la batalla antes de rendirnos.". 

Doctor John Thackery, Jefe de Cirugía del Hospital Knickerbocker de Nueva York en 1900.



¡¡¡Aaaaaaaaaaamén!!!.

The Knick (10 capítulos) es una serie dirigida para la TV por Steven Soderbergh (con banda sonora electrónica de Cliff Martinez) que cuenta las andanzas de un equipo de cirujanos y enfermeras neoyorkinos liderados por un entusiasta Dr. Thackery quien, como habrán podido leer en su declaración de intenciones del speech que abre esta entrada pronunciado en el funeral de un colega, se entregan en cuerpo y alma a la más noble tarea que un ser humano está llamado a acometer: combatir a la Naturaleza. Porque la Naturaleza (no se engañen) es un mecanismo de selección doloroso, cruel e implacable. Menos mal que Dios nos puso en la Tierra para pararle los pies (nota: Dios no existe, sólo la Ciencia).

El Dr. Thackery (Clive Owen) paga un alto precio por luchar contra los dioses (el castigo que arrastramos los prohombres desde tiempos de Ícaro y Prometeo): Thackery es un yonki de la cocaína al que una enfermera tiene que pinchar su dosis diaria en la vena de su miembro viril porque el resto de los canales habituales los tiene ya destrozados. Thackery pasea por el aparente lado oscuro de la vida que resulta ser el lado luminoso de la Vida. Fuerza los límites de la ética para forzar los límites de la muerte. Todo un figura. Y no es una caricatura.


Así fueron muchos de los pioneros de la cirugía moderna. Un ejemplo de los muchos que encontrarán en la Historia de la Medicina: el doctor Nicolas Chervin se comió los vómitos de un paciente enfermo de la fiebre amarilla para demostrar que esta dolencia no se contagiaba por contacto humano. Por no hablar, de nuevo, de un auténtico mártir de la Ciencia: el húngaro Dr. Ignac Semmelweis murió en 1865 tras cortarse voluntariamente con el mismo bisturí con el que acababa de diseccionar a un cadáver. Quería demostrar que su petición de que los médicos se lavaran las manos antes de asistir a un parto tras manipular los cadáveres de la morgue no era una locura (como todo el  mundo le decía).

De hecho, el personaje del Dr. Thackery está basado en la interesante biografía del Dr. William S. Halsted (1852 – 1922, "La cirugía sería encantadora si no tuvieses que operar"), el inventor los guantes de goma en las operaciones quirúrgicas (1890) y un tipo que personifica, una vez más, eso de que la realidad supera a la ficción.

La serie les ofrece una detallada reconstrucción histórica de los procedimientos quirúrgicos de la época con una ambientación, iluminación y fotografía exquisitas, un poquito de gore justificado por su afán de realismo (aunque por momentos puede resultar algo difícil de ver)..,


una producción por todo lo alto, unas magníficas interpretaciones, unos toques de denuncia social (pobres vs. ricos & negros vs. blancos), una monja que provoca abortos porque está harta de ver morir a jóvenes víctimas de embarazos no deseados, unos conductores de ambulancia que trafican con enfermos, un gerente de hospital que tiene líos con la mafia, un responsable de salud de NY que chantajea a los hospitales y una realización del siglo XXI muy soderberghiana. Todo lo antetior conforma una obra de arte sobresaliente que apunta maneras para colarse en el Top 10 de 2014 (y en buena posición).

No se la pierdan. Es muy buena y un canto a los sacrificios de tantos hombres y mujeres que lucharon (y murieron) por hacer de nuestro planeta un sitio hermoso en el que vivir bien y, casi tan importante, morir como el Hombre manda

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